ผลงานโอเปร่าของโมสาร์ท ความคิดสร้างสรรค์ในการดำเนินงาน ประเภทของโอเปร่าที่มีอยู่ในยุคของโมสาร์ท

โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท(1756-1791) นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย ตัวแทน โรงเรียนคลาสสิกเวียนนาส่วนสำคัญของมรดกทางความคิดสร้างสรรค์อันยิ่งใหญ่ของผู้แต่งคือดนตรีประสานเสียง เขาเขียนผลงานขนาดใหญ่สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา:

2 oratorios "David the Penitent" และ "Betulia Liberated"

18 มิสซา(ในหมู่พวกเขาโดดเด่น พิธีมิสซาอันยิ่งใหญ่ c-minor), "Magnificat", "Miserere", "Te Deum" ห้าโมเท็ต(รวมถึงเสน่ห์. “อาฟ เวรุม คอร์ปัส”),

4 คันทาทาสเยอรมันเนื้อหาทางจิตวิญญาณและทางโลก (ที่รู้จักกันดีที่สุดคือบทเพลง "สู่ดวงอาทิตย์"),

3 แคนตาทาสอิฐ: "ความสุขของเมสัน", "ภราดรภาพ", "พระอาทิตย์ขึ้น",

กว่า 30 เพลง

ฉลาดหลักแหลม บังสุกุล- การสร้างครั้งสุดท้ายของผู้แต่ง

ชีวิตของนักแต่งเพลงชาวออสเตรียผู้เก่งกาจนั้นสั้นอย่างน่าเศร้า เขาเกิดที่ซาลซ์บูร์กและเสียชีวิตในกรุงเวียนนาเมื่ออายุสามสิบสองปี ผู้แต่งทิ้งมรดกทางความคิดสร้างสรรค์อันยิ่งใหญ่ไว้ในแนวดนตรีเกือบทุกประเภทที่มีอยู่ในเวลานั้น พรสวรรค์อันไม่ธรรมดาของ Mozart การได้ยินอันประณีต และความทรงจำทางดนตรีอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในสาขาศิลปะการร้องประสานเสียง เมื่ออายุ 11 ปี เขาแต่งเพลงประสานเสียงชิ้นแรก - ส่วนแรก "อีสเตอร์โอราทอริโอ"ผู้เขียนส่วนที่สองและสามของ oratorio คือ Michael Haydn น้องชายของ Joseph Haydn

เรื่องราวที่แพร่หลายอย่างกว้างขวางก็คือการที่โมสาร์ทวัย 14 ปีฟังโมเท็ตที่ซับซ้อนของ Gregorio Allegri สองครั้งในเพลง "Miserere" ในโบสถ์ซิสทีน แล้วบันทึกโน้ตเพลงโดยไม่ต้องใช้ฮาร์ปซิคอร์ดช่วย ในระหว่างการเดินทางไปแสดงคอนเสิร์ตที่อิตาลี โมสาร์ทได้เรียนบทเรียนเกี่ยวกับโพลีโฟนีหลายบทจากจิโอวานนี มาร์ตินี นักแต่งเพลงชาวโรมันผู้โด่งดัง ความดึงดูดใจของผู้แต่งต่อดนตรีประสานเสียงยังสะท้อนให้เห็นจากความสนใจที่เพิ่มขึ้นที่เขาแสดงให้เห็นในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตในผลงานของบาคและฮันเดล ในปี ค.ศ. 1788-89 โมซาร์ทได้แสดงบทประพันธ์ของฮันเดลเรื่อง "The Feast of Alexander", "Messiah" และ "Acis and Galatea" ในกรุงเวียนนา ฉบับของคะแนนเหล่านี้ .

"บังสุกุล" - ผลงานสร้างสรรค์ชิ้นสุดท้ายที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวของโมสาร์ทผู้ยิ่งใหญ่ ไม่เพียงแต่เป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของโมสาร์ทเท่านั้น แต่ยังเป็นหนึ่งในการสร้างสรรค์วรรณกรรมดนตรีระดับโลกที่ดีที่สุดอีกด้วย “ บังสุกุล” มีความโดดเด่นด้วยสไตล์ที่รุนแรงเป็นพิเศษ, ความยับยั้งชั่งใจ, ความพูดน้อยและความบริสุทธิ์ของการแสดงออกของประสบการณ์ทางอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด

ดังที่คุณทราบนักแต่งเพลงที่กำลังจะตายเขียนงานนี้ด้วยความพยายามอันเหลือเชื่อในความแข็งแกร่งครั้งสุดท้ายของเขา แต่ก็ยังไม่มีเวลาทำมันให้เสร็จ F. Süssmayer นักเรียนของ Mozart สำเร็จ "บังสุกุล" มีการกำหนดไว้อย่างน่าเชื่อถือไม่มากก็น้อยว่าส่วนใดของดนตรีที่เขียนโดย Mozart และส่วนใดของSüssmayer อันดับแรกจำนวนทั้งหมดเขียนโดย Mozart เป็นคะแนนที่สมบูรณ์ ในประเด็นต่อไปนี้ ( Dies irae, Tuba mirum, Rex Treamendae, Recordare, Confutatis, Domine Jesu, Hostias, ลาคริโมซาบางส่วน)โมสาร์ทเขียนท่อนร้อง ให้พื้นฐานฮาร์โมนิค (ส่วนของเบสทั่วไป) และคำแนะนำบางประการสำหรับการเรียบเรียง เลขท้ายสามตัวเขียนโดยSüssmayerทั้งหมด แต่ควรสังเกตว่าตามคำแนะนำของ Mozart ในส่วนสุดท้าย " แอ็กนัส เดย”มีการรวมความทรงจำจากฉบับแรกไว้ด้วย (มีข้อความต่างกัน)

ในเรียงความตัวเลขที่อยู่ติดกันทั้งหมด ตัดกันในจังหวะ ไดนามิก พื้นผิว มีบทบาทสำคัญใน "บังสุกุล" คณะนักร้องประสานเสียง. จากทั้งหมด 12 หมายเลข 9 หมายเลขดำเนินการโดยนักร้องประสานเสียง และ 3 หมายเลขโดยนักร้องเดี่ยวสี่คน

ผู้แต่งใช้เทคนิคกันอย่างแพร่หลาย พฤกษ์เลียนแบบ. ในการนำเสนอการร้องประสานเสียง เราจะสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของการเขียนเสียงร้องและการร้องประสานเสียงของฮันเดลและบาค สิ่งนี้แสดงให้เห็นเป็นหลักในการนำเสนอเนื้อหาเฉพาะเรื่องและในการพัฒนาโดยเฉพาะอย่างยิ่งในตอนโพลีโฟนิก

ตำนานทั้งหมดได้รับการพัฒนาในอดีตเกี่ยวกับการสร้างบังสุกุล ลูกค้าลึกลับที่ซ่อนชื่อของเขาและด้วยเหตุนี้จึงสร้างความประทับใจอันเจ็บปวดให้กับโมสาร์ทที่ป่วยหนัก (เขาเขียนงานนี้เพื่อตัวเขาเองหรือเปล่า?) อย่างไรก็ตาม โมสาร์ทได้เตรียมพร้อมสำหรับการสร้างบังสุกุลโดยการทำงานด้านมวลชนและงานจิตวิญญาณอื่นๆ เป็นเวลาหลายปี การศึกษาดนตรีของบาคและฮันเดลอาจทำให้เขาสนใจมากขึ้นในรูปแบบเสียงร้องและเครื่องดนตรีแบบดั้งเดิมเท่านั้น เมื่อเริ่มทำงานกับบังสุกุล โมสาร์ททำงานหนักเกินปกติแต่ยังไม่ป่วย เขาล้มป่วยขณะทำงานนี้ บางทีความเจ็บป่วยอาจทำให้ฉันรับรู้ถึงโลกที่เป็นรูปเป็นร่างของบังสุกุลด้วยความเฉียบแหลมและความแข็งแกร่งใหม่ ๆ โดยได้สัมผัสมันอย่างลึกซึ้งเหมือนเป็นการเปิดเผย ช่วงเวลาที่หายากเกิดขึ้นเมื่อภาพทางศิลปะดูเหมือนจะผสานเข้ากับชีวิตที่ผ่านมาของศิลปินและตอบสนองต่อความรู้สึกส่วนตัวของเขาโดยตรง

Requiem เป็นแนวคิดเกี่ยวกับชีวิตและความตายซึ่งโมสาร์ทเข้ามาตามโลกทัศน์ของเขา: ความสยองขวัญเมื่อเผชิญกับความตาย - ความรักของชีวิตและความเห็นอกเห็นใจต่อมนุษย์ - การรับรู้ถึงความสามัคคีของโลกความเป็นธรรมชาติของกระบวนการของชีวิต และความตาย

ดนตรีแห่งบังสุกุลเขียนขึ้นสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง นักร้องเดี่ยว 4 คนและวงออเคสตราขนาดใหญ่ (เครื่องสาย, แตรบาสเซ็ต 2 อัน, บาสซูน 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, ทรอมโบน 3 อัน, ทิมปานีและออร์แกน) การไม่มีขลุ่ยและโอโบ และการใช้แตรบาสเซ็ต (คลาริเน็ตประเภทอัลโต) ทำให้ทั้งตัวมีรสชาติที่ค่อนข้างเข้ม เสียงทรอมโบนอันทรงพลังทำให้ดนตรีในหลายกรณีมีรสชาติที่สง่างามเป็นพิเศษ แม้จะดูสง่างามอย่างน่ากลัวก็ตาม และยังมีบังสุกุลเสียงที่กว้างทั้งหมด ดูเหมือนจะไม่ยิ่งใหญ่นัก: บางส่วนมีปริมาณน้อย

คุณลักษณะที่โดดเด่นของดนตรี Requiem คือการพึ่งพาสิ่งที่ดีที่สุด ประเพณี(โดยไม่ยื่นต่อพวกเขา) รวมกับการใช้ตัวหนา วิธีการแสดงออกทางโคลงสั้น ๆ และละครแบบใหม่. โดยทั่วไปแล้ว ดนตรีปราศจากเรื่องประโลมโลก ผลกระทบภายนอก อารมณ์ความรู้สึก และความรุนแรงและความแห้งกร้านมากเกินไป แม้ว่าโมสาร์ทจะยังไม่เสร็จสิ้นบังสุกุลและไม่ได้ทำบางส่วนให้เสร็จสิ้นในระดับที่แตกต่างกัน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเขาได้พัฒนาแผนงานอย่างใกล้ชิดโดยรวมพร้อมทั้งระบบการเชื่อมโยงน้ำเสียงภายในระหว่างใจความของ แต่ละส่วน

ศูนย์กลางของบังสุกุลกลายเป็น ลำดับ “ตายด้วยความเดือดดาล“: หกตอนประกอบขึ้นเป็นดราม่าของการพรากจากชีวิต โดยมีโซนไคลแม็กซ์อยู่ในซีเควนซ์ “Confutatis” และ “Lacrimosa”

บทนำที่ยิ่งใหญ่และสำคัญเกี่ยวกับบังสุกุล (การทาบทามคู่บารมี) คือ ส่วนที่หนึ่ง « บังสุกุลเอเทอร์นัม » (สันติภาพนิรันดร์, Adagio, d-moll) เชื่อมต่ออยู่กับ ไครี่ เอลิสัน (พระผู้เป็นเจ้าทรงเมตตาอัลเลโกร) นักวิจัยหลายคนพิสูจน์ว่าจากธีมเริ่มต้นของ Requiem ซึ่งเลียนแบบในแถบแรก คอมเพล็กซ์น้ำเสียงจำนวนมากของส่วนที่เหลือก็เติบโตขึ้น

แต่ "ดราม่า" ที่แท้จริงเริ่มต้นด้วยการร้องประสานเสียง "ตายอิแร" ตอนที่ 2 (วันแห่งพระพิโรธ, Allegro assai, d-moll) สร้างภาพการพิพากษาครั้งสุดท้าย ไม่มีการบรรยาย ไม่มีอะไร "วัตถุประสงค์" ที่นี่ ไม่มีการแนะนำอย่างสม่ำเสมอ ไม่มีการลอกเลียนแบบ! โมสาร์ทอยู่ใกล้กับคณะนักร้องประสานเสียงที่ดังกึกก้องของฮันเดล: “การออกอากาศ” ทั่วไปที่เรียบง่ายของเสียงร้องประสานเสียงที่ท่องข้อความในซีเควนซ์ (เสียงล่างทั้งสามเสียงพร้อมเพรียงกับทรอมโบน) เสียงลูกคอของสาย สัญญาณของแตรและม้วน ของกลองกลองให้ความรู้สึกถึงความยิ่งใหญ่ พลัง และความแข็งแกร่งที่น่าเกรงขาม ( ฟัง.

หมายเลข 3 “ทูบา มิรุม”» ( ท่อที่ยอดเยี่ยม, Andante, B-dur)) ประกาศการพิพากษาครั้งสุดท้ายซึ่งเขียนขึ้นเพื่อ สี่ศิลปินเดี่ยว มีทรอมโบนเดี่ยวพร้อมสาย (ลมบรรจบกันที่ตอนท้าย) ท่วงทำนองอันไพเราะของเสียงเดี่ยว (จากล่าง uv.2 แรงจูงใจของ "ถอนหายใจ") ดูเหมือนจะเน้นไปที่น้ำเสียงที่โศกเศร้าที่เกิดขึ้นครั้งแล้วครั้งเล่า

เราพบรูปแบบใหม่ของภาพที่น่าสยดสยองและน่าสลดใจใน “ เร็กซ์ เทรเมนแด" (หมายเลข 4บังสุกุล, หลุมฝังศพ, g-moll) – “กษัตริย์ผู้ยิ่งใหญ่อันน่าเกรงขาม”และที่นี่พวกเขาถูกแทนที่ด้วยคำวิงวอนเพื่อความรอด (เปลี่ยนเป็น d-minor)

ใน “บันทึก» (« จำไว้นะพระเยซู”, №5 ,อันดันเต้,เอฟเมเจอร์) ดูเหมือนพวกเขาจะถอยไปสักพักแล้ว ขนาดใหญ่กระจายกว้าง สี่ศิลปินเดี่ยว (วงออเคสตราที่ไม่มีแตร ทรอมโบน และทิมปานี) - การแสดงออกถึงความรู้สึกของบุคคลเมื่อเผชิญกับพลังที่น่าเกรงขาม ในเวลาเดียวกัน การสวดมนต์ การบ่น และการตรัสรู้อย่างมีความสุข แต่ด้วยความยับยั้งชั่งใจทั่วไปและไม่มีสำเนียงส่วนบุคคลที่คมชัด การใช้เทคนิคโพลีโฟนิกมากมาย (การเลียนแบบ ความแตกต่าง) ในการสลับกับแฟรกเมนต์ฮาร์มอนิกไม่เป็นภาระต่อเสียงโดยรวมเลย

การเปรียบเทียบนักร้องประสานเสียงสองตัวสุดท้ายซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของลำดับ "Dies irae" มีความตัดกันและน่าทึ่งที่สุด:

“กงฟูตาติส» ( ประณามผู้ที่ใส่ร้าย, №6 Requiem, a minor, Andante) ดูเหมือนจะทำให้ความตึงเครียดเข้มข้นขึ้น ดนตรีเต็มไปด้วยความวิตกกังวล ความกังวลใจ พลังอันน่าทึ่ง และ "ลาคริโมซา" หมายเลข 7 (น้ำตาไหล, Larghetto, d-moll) รวบรวมความรู้สึกทั้งน้ำตาและโศกเศร้า (lacrima จากภาษาอิตาลี - น้ำตา) ที่ต้องพรากจากชีวิตและขอให้ "มอบสันติสุขนิรันดร์ให้พวกเขาอีกครั้ง" นี่คือขีดจำกัดของความตึงเครียดอันน่าทึ่ง แม้กระทั่งความสับสน - และจากนั้นก็เป็นอารมณ์ที่หลั่งไหลออกมาอย่างเปิดเผย เต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจและความรักอันอ่อนโยน ความจริงใจ การเปิดกว้างของความรู้สึก และความยับยั้งชั่งใจในการแสดงออกทำให้โมสาร์ทมีความคล้ายคลึงกับบาคในการใช้หลักการของความแตกต่างพร้อมกัน หมายเลขนี้เขียนในรูปแบบการบรรเลงสองส่วน พื้นฐานของน้ำเสียงของธีมคือการเปลี่ยนทำนองอันไพเราะซึ่งลงท้ายด้วยจังหวะที่อ่อนแอ โดยทั่วไป ธีมประกอบด้วยลวดลายที่ซ้ำกันสองแบบและโครงสร้างขนาดใหญ่หนึ่งแบบ ซึ่งมีลักษณะพิเศษคือการเคลื่อนไหวทำนองขึ้นด้านบนอย่างค่อยเป็นค่อยไป พร้อมการเพิ่มไดนามิกอย่างต่อเนื่อง ( ฟัง).

ตัวเลขต่อมาของบังสุกุลคือการสวดมนต์แยกกันหรือเป็นส่วนหนึ่งของมวลตามปกติ ตามหลัง "Lacrimosa" นั่นคือหลังจากสิ้นสุดลำดับ "Dies irae" พวกเขาเสริมและขยายแนวคิดของบังสุกุลตามจุดไคลแม็กซ์ โดยไม่ละเมิดหลักการที่สร้างพื้นฐานขององค์ประกอบทั้งหมด

“โดมิเน เจซู”» (« พระเยซู", №8 Requiem, Andante, g-moll) - คำวิงวอนต่อพระเจ้าพร้อมคำร้องขอให้ช่วยวิญญาณของคนตายจากการทรมานที่ชั่วร้าย ประกอบด้วยสองส่วน: ในส่วนแรก - คณะนักร้องประสานเสียงและสี่นักร้องเดี่ยวในเรื่องที่สอง "quam olim Abrahae" โดยคณะนักร้องประสานเสียง ส่วนที่ลงท้ายด้วย G major

“ฮอสเทียส”(« ผู้ที่ตกเป็นเหยื่อ» №9 , Largetto, Es-dur) ยังประกอบด้วยสองส่วน: ส่วนแรกโดยทั่วไปคือโฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิกในธรรมชาติส่วนที่สองจะทำซ้ำความทรงจำ "quam olim Abrae" จากหมายเลขที่แปด และในแง่ของเนื้อหา จริงๆ แล้วซ้ำข้อที่แปด: นี่คือคำขอให้ยอมรับการเสียสละและคำอธิษฐานเพื่อความรอดของดวงวิญญาณของผู้ตาย "ซึ่งเราจำได้ในวันนี้"

“แซงทัส» (“ศักดิ์สิทธิ์” หมายเลข 10, Adagio, D-dur) เชิดชูพระเจ้าจอมโยธา (หนึ่งในชื่อของพระเจ้าในศาสนายิวและศาสนาคริสต์หมายถึง: พระเจ้าแห่งกองทัพ (หมายถึงดวงอาทิตย์ดวงจันทร์และดวงดาว - "บริวารทั้งหมดของสวรรค์")

« เบเนดิกทัส" (“ผู้ได้รับพร” หมายเลข 11, Andante, B major) ประกอบด้วยสองส่วน: ส่วนแรก สี่ศิลปินเดี่ยว ประการที่สอง - Allegro การร้องเพลงประสานเสียง fugato โดยเนื้อหา นี่เป็นพรสำหรับผู้ที่มาในพระนามของพระเจ้า

“แอกนัส เดย”(« ลูกแกะของพระเจ้า!, ล่าสุด №12 Requiem) ประกอบด้วยสามส่วน: ส่วนแรก – Larghetto, d-moll, การร้องเพลงประสานเสียง; ประการที่สอง – Adagio, โซปราโนเดี่ยวและนักร้องประสานเสียง, B-dur, g-moll; อันที่สามคืออัลเลโกร รองลงมาโดยมีข้อสรุปสองแถบในอาดาจิโอ เนื้อหานี้ยังดึงดูดพระเมษโปดกของพระเจ้าด้วยคำขอ “ให้สันติสุขนิรันดร์แก่พวกเขาและให้แสงสว่างส่องมาที่พวกเขาอย่างต่อเนื่อง”

โอเปร่าโดย W. Mozart – "ขลุ่ยวิเศษ», "Don Giovanni", "การลักพาตัวจาก Seraglio", "การแต่งงานของ Figaro", "Idomeneo"», "ความเมตตาของไททัส", "คนธรรมดาในจินตนาการ". ในโอเปร่าของเขา เขาได้แสดงแนวคิดขั้นสูงเกี่ยวกับการตรัสรู้ซึ่งมีลักษณะเฉพาะคือความสมจริง ความสว่างและคอนทราสต์ของภาพ ความสมบูรณ์แบบของละครเพลง และการพัฒนาอย่างรวดเร็วของการกระทำ โมสาร์ทไม่ได้ใช้คอรัสในระดับเดียวกันในโอเปร่าทั้งหมด คณะนักร้องประสานเสียงไม่ได้มีบทบาทพิเศษในละครโอเปร่า ยกเว้นโอเปร่า Idomeneo ในยุคแรกๆ ซึ่งมีจำนวนนักร้องประสานเสียงมากที่สุด ในแง่ของหลักการใช้คณะนักร้องประสานเสียงและเทคนิคการนำเสนอการร้องประสานเสียง โมสาร์ทมีความใกล้ชิดกับกลัค

นักร้องจากองก์ที่สองของโอเปร่า "Idomeneo" (โอเปร่าซีรีย์) “ ทะเลหลับใหลอย่างสงบ” -แบบฟอร์มเป็นแบบสามส่วนที่เรียบง่าย โดยมีศิลปินเดี่ยว Elektra อยู่ตรงกลาง Light E major, barcarole time 6/8, ฮาร์โมนีโปร่งใสชัดเจน, พื้นผิวฮาร์โมนิกรวมกับการเลียนแบบ, สี่เสียงโดยไม่มีการแบ่งแยก, การนำเสียงร้องที่ราบรื่น, เรียกว่าการลงท้ายวลีที่อ่อนแอ - วิธีการแสดงออกทางดนตรีทั้งหมดนี้มุ่งเป้าไปที่การสร้างภาพ ของทะเลอันเงียบสงบที่แกว่งไปมาเป็นจังหวะ ( มาฟังกันดีกว่า).

คณะนักร้องประสานเสียงบางส่วนในโอเปร่าครั้งสุดท้าย "ขลุ่ยวิเศษ" (โอเปร่าร้องเพลง). ที่น่าสังเกตคือเสียงสามเสียงที่สง่างาม คณะนักร้องประสานเสียงชายจากองก์ที่ 1 ใน G major “เสียงกริ่งที่ไพเราะและอ่อนโยนนั้นมาจากไหน” ซึ่งติดตามศิลปินเดี่ยว Pamina และ Papageno ( มาฟังกัน).

ในการ์ตูนโอเปร่า "การแต่งงานของฟิกาโร" (โอเปร่าบัฟโฟ)สง่างามมาก ใช้กันอย่างแพร่หลายในคอนเสิร์ตและการฝึกซ้อม การแสดง เสียงสองเสียงขนาดเล็กที่สง่างาม คณะนักร้องประสานเสียงหญิงจากองก์ที่ 3 “วันนี้เราตื่นแต่เช้า” คณะนักร้องประสานเสียงยังฟังหลังจากการร้องคู่ของศิลปินเดี่ยว ซึ่งสร้างความประทับใจของการร้องประสานเสียงหลังการร้องเดี่ยว เทคนิคการขับร้องประสานเสียงที่คล้ายกันพบซ้ำแล้วซ้ำเล่าในโอเปร่าของโมสาร์ท ( มาฟังกัน).

งานของ Mozart ซึ่งมีพื้นฐานมาจากประเพณีของผู้ยิ่งใหญ่รุ่นก่อนของเขา ได้รับการมุ่งหน้าสู่จุดสูงสุดใหม่ - สู่ศิลปะการปฏิวัติของ Beethoven

เพื่อเป็นการยกย่องต้นกำเนิดของเครื่องดนตรี บางครั้ง Haydn ก็เขียนดนตรีในลักษณะของการไล่เสียงสูงต่ำ และสิ่งนี้ก็กลายเป็นประเพณีในเวลาต่อมา แต่แม้กระทั่งในตอนจบและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการเคลื่อนไหวครั้งที่สอง - Andante - เขาได้รวมธีมแตรที่สร้างจากเสียงที่นุ่มนวลและไพเราะ

เสียงแตรดังขึ้นในรูปแบบใหม่ในงานของ V.A. โมสาร์ท. เป็นที่ทราบกันดีว่านักประพันธ์เพลงที่เก่งกาจไม่ได้ข้ามเครื่องดนตรีเกือบทุกชนิดที่มีอยู่ในสมัยของเขารวมถึงแตรด้วย ในคอนเสิร์ตคอนแชร์โตสำหรับแตรและวงออเคสตรา 4 รายการ โมสาร์ทค้นพบความเป็นไปได้ใหม่ๆ ในการแสดงอารมณ์ของเครื่องดนตรีชนิดนี้ นั่นคือการร้องเพลงที่ไพเราะ ในกลุ่มเปียโนและในกลุ่มแตรและเครื่องสาย โมสาร์ทแบ่งท่อนแคนทิเลนาขนาดใหญ่ให้กับแตร โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงที่ช้าของวงจรโซนาตา บ่อยครั้งที่ลักษณะของทำนองนั้นใกล้เคียงกับเพลงจากโอเปร่าของเขาเช่นใน Romance จากคอนแชร์โต้ที่สี่

เทคนิคการใช้แตรของ Haydn ในวงออเคสตราได้รับการปรับปรุงและพัฒนาเพิ่มเติมในซิมโฟนีและโอเปร่าของ Mozart และเทคนิคบางอย่าง เช่น การสนับสนุนฮาร์มอนิก ก็เสริมด้วยการเน้นเสียงต่ำของโทนเสียงแต่ละโทน เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ Mozart มักจะกำหนดเสียงแตรที่เสียงพร้อมเพรียงกันบนหน้า “สาขากิจกรรม” ของแตรในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวในวงออเคสตราได้ขยายออกไปอย่างมาก วลีเล็ก ๆ เสียงสะท้อนและเสียงของแต่ละบุคคลสามารถได้ยินได้ในงานออเคสตราเกือบทั้งหมดและในวง Minuet จากซิมโฟนี G minor ผู้แต่งได้อุทิศทั้งตอนของลักษณะที่ไพเราะและโคลงสั้น ๆ ให้กับแตรคู่

โมสาร์ทมักจะเขียนส่วนต่างๆ ของมันโดยไม่สูญเสียความนุ่มนวลและความสวยงามของเสียงแตร การแสดงซึ่งต้องใช้เทคนิคริมฝีปากที่ได้รับการพัฒนาอย่างสูงของผู้เล่นแตร ข้อความเหล่านี้เป็นข้อความที่มีลักษณะคล้ายมาตราส่วนในคอนแชร์โต ตอนของอัจฉริยะในงานแชมเบอร์ (เปียโน quintet) และบางครั้งก็เป็นงานทั้งท่อนหรือบางส่วน (คอนเสิร์ตรอนโด วงดนตรีสำหรับแตร ไวโอลิน วิโอลาสองตัว และเบส) ความรู้ที่น่าทึ่งเกี่ยวกับแตรของ Mozart (เช่นเดียวกับเครื่องดนตรีทุกชนิด) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ เช่นเดียวกับ Haydn เขาอยู่ในหมู่นักดนตรีโฟล์กอยู่ตลอดเวลา โดยเป็นศูนย์กลางของการแสดงดนตรียามเย็นและความบันเทิง ซึ่งเขาได้สร้างสรรค์เพลงเซเรเนด การแสดงดนตรีที่หลากหลาย และผลงานอื่นๆ มากมาย การทำดนตรีในแต่ละวันสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนใน “Village Symphony” ที่เขียนโดย Mozart ด้วยอารมณ์ขันที่ยอดเยี่ยม การแสดงของเธอทำให้ผู้ชมกลับมาร่าเริงอยู่เสมอ โดยเฉพาะอย่างยิ่งการที่ผู้เขียนจงใจใช้เสียงที่ผิด ๆ เพื่อบรรยายถึงผู้เล่นฮอร์นขี้เมาที่มงกุฏเครื่องดนตรีของพวกเขาปนกัน ผู้แต่งมีมิตรภาพพิเศษกับผู้เล่นฮอร์น Ignaz Leitgeb ศิลปินเดี่ยวของโบสถ์ซาลซ์บูร์ก I. Leitgeb นักเล่นฮอร์นที่ชาญฉลาด แต่มีการศึกษาต่ำ ได้ผสมผสานกิจกรรมคอนเสิร์ตของเขาเข้ากับการค้าชีส เขาเป็นเพื่อนกับครอบครัวโมสาร์ทเป็นเวลาหลายปี และมิตรภาพที่ผ่อนคลายที่สุดระหว่างเขากับโวล์ฟกังก็มีอยู่ ดังที่เห็นได้จากคำจารึกและการอุทิศต้นฉบับของโมสาร์ท ดังนั้นโน้ตเพลงของ First Concerto จึงเต็มไปด้วยคำพูดที่ตลกขบขันและน่าขัน เช่น: “เสร็จแล้วเหรอ? ขอบคุณครับ บรรลุเป้าหมาย! Basta, basta!!!” และในคอนเสิร์ตครั้งที่สองเขียนว่า: "Wolfgang Amadeus Mozart ด้วยความสงสาร Leitgeb ลา วัว และคนโง่ เวียนนา 27 พฤษภาคม พ.ศ. 2326"

แต่คอนแชร์โต้ที่สี่มีการอุทิศ: "Horn Concerto for Leutgeb"

แตรธรรมชาติพบตำแหน่งใหม่ในผลงานของแอล. เบโธเฟน จากความสามารถของเครื่องดนตรีและหลักการใช้วงดนตรีที่ Haydn และ Mozart กำหนดขึ้น Beethoven ได้บันทึกบางสิ่งที่กล้าหาญด้วยเสียงแตร ในซิมโฟนีของเขา โอเปร่า "Fidelio" และการทาบทามของมัน ในเพลงสำหรับโศกนาฏกรรม "Egmont" ของเกอเธ่ เช่นเดียวกับในงานในห้อง แตรถูกกำหนดให้เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติที่มีพลัง กล้าหาญ และมักจะเป็นวีรบุรุษ บ่อยครั้งที่เบโธเฟนชอบแตรในสถานที่ทำงานตอนกลางซึ่งเป็นจุดสูงสุด (ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนีที่สาม, ห้า, เจ็ด, เก้า) งานดนตรีต้องใช้เทคนิคการแสดงใหม่ๆ: ความเด็ดขาด ความหนักแน่น ความยืดหยุ่นของจังหวะของการผลิตเสียง การไล่ระดับไดนามิกขนาดใหญ่ในการโจมตีของเสียงและการจัดการเสียง - นี่คือสิ่งที่ Beethoven นำเสนอต่อผู้เล่นแตร

การตีความแตรอย่างกล้าหาญในฐานะเครื่องดนตรีถูกแสดงออกมาอย่างชัดเจนโดย Beethoven ในเพลง Sonata ใน F Major งานสามส่วนเล่าถึงการก่อตัวของหลักการที่กล้าหาญ ความเศร้าโศกของการสูญเสีย และชัยชนะของพลังที่ไม่สิ้นสุดของชีวิต บีโธเฟนใช้วิธีประหยัดจากเขาธรรมชาติ บางครั้งใช้เสียงเพียงไม่กี่เสียง สร้างสรรค์ภาพของความทะเยอทะยานที่กล้าหาญ การประกาศเจตจำนง การสะท้อนโคลงสั้น ๆ และการเรียกร้องให้ต่อสู้ การยืนยันชัยชนะ ในละครของผู้เล่นฮอร์น โซนาตานี้เป็นงานที่ซับซ้อน และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่จะรวมอยู่ในโปรแกรมบังคับของการแข่งขันส่วนใหญ่

ความต้องการของเบโธเฟนไม่ได้แยกจากการฝึกฝนการแสดงแตร: ระดับทักษะและความมีคุณธรรมในยุคของเขานั้นสูงมาก ที่โด่งดังที่สุดในเวลานั้นคือ Jan Vaclav Stich-Punto ผู้เล่นโบฮีเมียนฮอร์น บทละครของเขาเป็นแรงบันดาลใจให้เบโธเฟนสร้างโซนาตา ซึ่งอัจฉริยะคนนี้เป็นนักแสดงคนแรก

ตัวอย่างการใช้แตรในวงออเคสตราของเบโธเฟนในฐานะเครื่องดนตรีที่กล้าหาญคือตอนจบของซิมโฟนีลำดับที่ 3 ของเขา โดยที่แตรที่ประสานกันได้รับมอบหมายให้แสดงบทเพลงด้วยเสียงแห่งชัยชนะ

อย่างไรก็ตาม ท่อนแตรในดนตรีของเบโธเฟนไม่ได้จำกัดอยู่แค่เพียงวีรกรรมเท่านั้น ในงานซิมโฟนีและห้องแสดงดนตรีของเขา เขามักจะแสดงโซโล Cantilena ซึ่งมีลักษณะของการให้เหตุผลทางดนตรีและการไตร่ตรอง (เพลงหกแตรที่มีเขาสองเขา septet โซโลแตรที่สี่จาก Adagio of the Ninth Symphony และผลงานอื่นๆ) ใน Andante จากกลุ่มเปียโน คำร้องโคลงสั้น ๆ ขนาดใหญ่จากแตรมีโทนเสียงที่ค่อนข้างโรแมนติก ที่นี่เบโธเฟนดูเหมือนจะคาดการณ์เส้นทางในอนาคตของเครื่องดนตรีนี้

การใช้แตรในผลงานของเบโธเฟนมีความหลากหลายมาก เช่น วงดนตรีที่มีเครื่องดนตรีไม้ โซโล่ ซิงเกิล และใน "Eroica Symphony" ก็มีแตรสามคนที่เก่งกาจ

เบโธเฟนใช้ข้อความทางเทคนิคเกี่ยวกับเขาสัตว์ ในตอนจบของ "Eroic Symphony" ท่อนของพวกเขาช่วยเพิ่มความรู้สึกของตอนจบที่ได้รับชัยชนะ ส่วนแตรของห้องทำงานนั้นอุดมไปด้วยเทคนิคการผ่านเป็นพิเศษ เบโธเฟนใช้แตรเดี่ยวในเชอร์โซของซิมโฟนีของเขา ซึ่งเป็นการสืบสานประเพณีของไฮเดินและโมซาร์ท

ดนตรีซิมโฟนีของเบโธเฟนส่วนใหญ่มีเขา 2 เขา อย่างไรก็ตาม บางครั้งจำนวนของพวกเขาก็ถึงสี่ การกระจายชิ้นส่วนสำหรับแตรคู่ที่สองนั้นเหมือนกับแตรคู่แรก แต่ตามกฎแล้วโครงสร้างจะแตกต่างกัน เขาทั้งสี่สามารถให้ความสามัคคีได้อย่างสมบูรณ์อยู่แล้ว และการใช้การปรับจูนที่แตกต่างกันได้เพิ่มความเป็นไปได้ในการใช้งานในวงออเคสตรา ดังนั้นวงสี่แตรจึงได้รับการเสริมกำลังในวงออเคสตราในที่สุดในศตวรรษที่ 19

แตรในดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี

ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เขาสัตว์ก็แพร่หลายในยุโรป ในประเทศต่างๆ มีโรงเรียนดนตรีระดับชาติเกิดขึ้น มีการสร้างสรรค์ผลงานสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา และการแสดงได้รับการพัฒนา ในขณะที่ลักษณะประจำชาติได้ทิ้งร่องรอยไว้บนเครื่องดนตรีของวงออเคสตรา รวมถึงแตรด้วย

แตรล่าสัตว์ ตามด้วยแตรฝรั่งเศส แพร่หลายในดนตรีฝรั่งเศส การใช้แตรจนถึงช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ถือเป็นลักษณะคลาสสิกที่เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไป มีการประสานฮาร์โมนิกที่ละเอียดอ่อน การมีส่วนร่วมในโครงสร้างออเคสตราโดยรวมในรูปแบบของตัวชี้นำโซโล และการเลียนแบบสัญญาณการล่าสัตว์ ละครคอนเสิร์ตในเวลานั้นถูกสร้างขึ้นทั้งโดยผู้เล่นฮอร์นอัจฉริยะเองและโดยนักแต่งเพลง L. Cherubini เกิดในอิตาลี แต่ถือเป็นคีตกวีชาวฝรั่งเศส โดยแต่งเพลงโซนาตา 2 ชิ้นสำหรับวงออร์เคสตราแตรและเครื่องสาย ซึ่งเขาใช้ความสามารถ Cantilena และความสามารถอันชาญฉลาดของเครื่องดนตรีอย่างกว้างขวาง F. Duvernoy ศิลปินเดี่ยวของ Paris Opera Orchestra และศาสตราจารย์ที่ Conservatory ได้ตีพิมพ์โรงเรียน (“Methode pour de cor”) ในปี 1802 และสร้างผลงานวงดนตรีสำหรับแตรจำนวนหนึ่ง ผู้เล่น Horn L. Dopra มีชื่อเสียงในฐานะอัจฉริยะและนักแต่งเพลงสำหรับเครื่องดนตรีของเขา โรงเรียนของเขาสำหรับอัลโตและเบสฮอร์นนั้นมีคุณค่าทางการสอนอย่างมาก การแสดงละครได้รับการเติมเต็มอย่างมีนัยสำคัญโดยนักแสดงชื่อดังที่ใช้แตรตามธรรมชาติ และต่อมาคือ J. Galle ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่มีวาล์ว เขาเป็นนักเขียนโรงเรียนสอนแตร รวมถึงผลงานเดี่ยวและจินตนาการอันงดงามมากมาย

ในฝรั่งเศส แตรมักใช้ในโอเปร่า โดยเฉพาะอย่างยิ่งความเชื่อมโยงระหว่างเสียงและส่วนของเสียงร้อง ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของการใช้โซโลฮอร์นอย่างกว้างขวางในอุปรากรฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือเพลงของวาเลนตินาจากองก์ที่สามของโอเปร่าเรื่อง The Huguenots โดย J. Meyerbeer

แตรในดนตรีอิตาลีในช่วงศตวรรษที่ 18 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องกับโอเปร่าด้วย การแสดงดนตรีประกอบโอเปร่าที่ละเอียดอ่อนและปฏิสัมพันธ์ของนักร้อง คณะนักร้องประสานเสียง และวงออเคสตรา ทิ้งร่องรอยไว้บนสไตล์ของแตร เขาสัตว์ช่วยปรับสมดุลเสียงของวงออเคสตราได้ดี เพิ่มเสียงให้กับสายและท่อนไม้ และทำให้ทองเหลืองอ่อนลง

แตรยังใช้ในดนตรีบรรเลงแชมเบอร์ด้วย ดังนั้น G. Paisiello จึงรวมมันไว้ในดนตรีประกอบฮาร์มอนิกในไดเวอร์ติเมนโตสำหรับเครื่องดนตรีลม

ส่วนแตรของ G. Rossini มีความน่าสนใจเป็นพิเศษ เขาชอบเครื่องดนตรีชิ้นนี้มากและมอบหมายให้เขาทำตอนเดี่ยว ฮอร์นโซโลในการทาบทามให้กับโอเปร่า "Semiramide", "The Thieving Magpie", "The Barber of Seville" เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในหมู่นักดนตรีมืออาชีพและผู้รักดนตรี

Rossini ไม่ได้จำกัดตัวเองอยู่แค่การใช้แตรในวงออเคสตราเท่านั้น เขาเขียนแตรและเปียโนอันชาญฉลาด หกควอเตตสำหรับฟลุต คลาริเน็ต ฮอร์นและบาสซูน และล่าแตรสี่แตร

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ฮอร์นพบการใช้งานใหม่ - เนื้อร้อง - โรแมนติก ซึ่งไม่ได้เกิดขึ้นโดยปราศจากอิทธิพลของโอเปร่า ซึ่งต้องการการแสดงออกเป็นพิเศษของการใช้ถ้อยคำ เลกาโตที่สวยงาม และการไล่ระดับไดนามิกที่ละเอียดอ่อน ผู้แต่งให้ความสำคัญกับเสียงเป็นสีดนตรีออร์เคสตราที่สำคัญมากขึ้น เสียงแตรถูกนำมาใช้อย่างละเอียดมากในโอเปร่าของ G. Verdi แม้ว่าโน้ตของเขาจะไม่เข้มข้นในการโซโลฮอร์นที่พัฒนาแล้ว แต่แต่ละเสียงก็แสดงออกได้ดีมาก ส่วนใหญ่แล้วแตรจะเน้นย้ำถึงความประสานเสียงที่สำคัญทางดนตรีและบางครั้งก็ถึงกับเกิดสถานการณ์ดราม่าที่รุนแรงด้วยซ้ำ ตัวอย่างเช่น ข้อความของเขาแตรที่สามในโอเปร่าเรื่อง "Aida" หรือท่อนแตรใน "Othello"

คีตกวีชาวฝรั่งเศสใช้แตรอย่างเข้มข้นและหลากหลายมากขึ้นในแง่ของ “ข้อความ” ที่ไพเราะ ดังนั้นในโอเปร่า "Faust" ของ C. Gounod เสียงที่ไพเราะจึงมาพร้อมกับบทสนทนาของตัวละครหลายตัว พวกเขาโดดเด่นเป็นพิเศษในตอนกลางตอนหนึ่งของอารัมภบท: ในธีมดนตรีหลัก - ธีมของความรักของเฟาสต์และมาร์การิต้าซึ่งเกิดขึ้นซ้ำแล้วซ้ำอีกในโอเปร่า

อย่างไรก็ตาม Gounod ไม่เคยถือว่าแตรเป็น "นักร้องแห่งความรัก" เพียงอย่างเดียว ในโอเปร่าเดียวกันนี้ มีตัวอย่างอื่นๆ ของการนำไปใช้ ตั้งแต่การดีดจังหวะอภิบาลในบทนำไปจนถึงเสียงปิดที่เป็นลางไม่ดีในเพลงขับกล่อมของหัวหน้าปีศาจและฉากในวิหาร แนวคิดของการหลีกเลี่ยงไม่ได้ถึงชีวิตนั้นฟังดูเหมือนเสียงแตรที่ซ้ำกันเป็นจังหวะในช่วงเริ่มต้นองก์ที่สองของโอเปร่า

แตรถูกนำมาใช้อย่างเชี่ยวชาญในโอเปร่าเรื่อง "Carmen" ของ J. Bizet ซึ่งเสียงเดี่ยวและธีมของแตรแต่ละตัวสื่อความหมายได้ดีมาก ในเพลงของ Michaela จากองก์ที่สามของโอเปร่า เธอใช้วลีที่แสดงออกขนาดใหญ่เพื่อสะท้อนการพัฒนาความรู้สึกของนางเอก

ในฝรั่งเศส มีการตีความการแสดงคอนเสิร์ตมากมายเกี่ยวกับแตร ผู้ก่อตั้งถือได้ว่าเป็น C. Saint-Saëns ผู้เขียนบทโรแมนติกสองเรื่องและคอนเสิร์ตสำหรับแตรและวงออเคสตรา งานชิ้นนี้แสดงให้เห็นถึงความสามารถในการแสดงออกทั้งหมดของแตร และตอนจบของมันก็ถือว่าเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของความยากทางเทคนิค นักแต่งเพลง P. Dukas ในเรื่อง Villanelle สำหรับแตรและวงออเคสตราที่มีทักษะอันยอดเยี่ยมในการวาดภาพประเภทฉากที่เป็นเอกลักษณ์ของผู้เล่นแตรที่เล่นต่อหน้าผู้ชมในหมู่บ้าน มีเพลงพื้นบ้านที่เรียบง่าย ธีมของการดีดแบบอภิบาล การบรรยาย และการแข่งขันระหว่างผู้เล่นแตรและวงออเคสตรา

แตรได้รับการใช้ใหม่ที่ไม่ธรรมดาจากนักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ - C. Debussy และ M. Ravel พวกเขายกระดับความสำคัญของเสียงแตรในวงออเคสตราให้สูงขึ้นอีกระดับ ความรู้ของ Debussy และ Ravel เกี่ยวกับรายละเอียดปลีกย่อยของเสียงเครื่องดนตรีนั้นน่าทึ่งมาก และการประยุกต์ใช้ความรู้นี้มีความหลากหลายมากจนส่วนแตรในงานของพวกเขาสามารถใช้เป็นสารานุกรมสำหรับนักแสดงและนักแต่งเพลงได้ในระดับหนึ่ง ส่วนแตร "สารานุกรม" ดังกล่าวสามารถได้ยินได้ใน "Afternoon of a Faun" ของ Debussy วลีที่มีลักษณะคล้ายเสียงแตรอันห่างไกล

คอร์ด "Water" และเสียงแตรหลากสีสันมีอยู่ในเพลง "The Sea" ของ Debussy และระเบิดพายุในเพลง "Valse" ของ Ravel ทะเบียนด้านบนของเครื่องดนตรี - เบาและสวยงาม - ถูกใช้โดย Ravel ในตอนเดี่ยวของ Bolero, Pavane และเปียโนคอนแชร์โตใน G Major

ฮอร์นในผลงานของคีตกวีชาวเยอรมัน

การใช้แตรในการสร้างภาพโดยมอบธีมดนตรีที่เต็มไปด้วยความคิดที่เป็นแรงบันดาลใจได้รับการพัฒนาโดยนักประพันธ์เพลงจากโรงเรียนภาษาเยอรมัน มีเพียงสามเสียงที่เขาสร้าง K.M. เวเบอร์. ภาพบทกวีของเขาแห่งโอเบรอนในการทาบทามให้กับโอเปร่า "โอเบรอน" แตรในความเงียบเลียนแบบเสียงแตรซึ่งเป็นเสียงแรกของการทาบทามหลังจากที่วงออเคสตราเข้ามา

ในโอเปร่า "Free Shooter" เสียงแตรจะได้ยินอย่างต่อเนื่องราวกับเตือนให้นึกถึงพื้นที่กว้างใหญ่ขององค์ประกอบของป่า มีวงแตรบทกวีในการทาบทาม และวงดนตรีเดี่ยวอันงดงามในช่วงพักการแสดงขององก์ที่สาม จากนั้นแตรจะเล่นท่วงทำนองเดิมซ้ำพร้อมกับคณะนักร้องประสานเสียงนักล่าที่มีชื่อเสียง แต่การค้นพบของเวเบอร์ไม่ได้หยุดเพียงแค่นั้น ปรากฎว่าเขาสามารถฟังดู "มหัศจรรย์มาก" และเราได้ยินเสียงนี้ในฉาก “Hell Hunt” จากโอเปร่าเรื่องเดียวกัน

เวเบอร์ยังเขียนคอนแชร์ติโนที่สวยงามมากสำหรับแตรและวงออเคสตรา - และตอนนี้เป็นงานที่ยากที่สุดในละครของผู้เล่นฮอร์น ใช้ความเป็นไปได้ทั้งหมดของเทคนิคอัจฉริยะและแม้กระทั่งการเล่นคอร์ด เมื่อแยกเสียงหนึ่งบนแตร นักแสดงจะร้องเพลงด้วยเสียงของอีกเสียงหนึ่ง และถ้าเขาจัดการให้ได้ช่วงเวลาที่แน่นอนระหว่างสองโทนเสียงนี้ เท่ากับหนึ่งในสาม ห้า หรือช่วงอื่น ๆ แต่จำเป็นต้องรวมไว้ในระดับธรรมชาติด้วย ได้ยินเสียงทั้งคอร์ด มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถเชี่ยวชาญเทคนิคการเล่นนี้และได้เสียงที่ "เหมาะสม" ดังนั้นในกรณีส่วนใหญ่ นักดนตรีจึงใช้เวอร์ชันที่มีน้ำหนักเบาซึ่งกำหนดโดยผู้เขียนอย่างรอบคอบ

ชิ้นส่วนเขาของ Schumann นั้นน่าทึ่งมากในเรื่องของเฉดสีที่หลากหลายและโดดเด่นในเรื่องของความยาก ความสวยงามที่ไม่ธรรมดาของ Adagio และ Allegro สำหรับแตรและเปียโนเป็นแรงบันดาลใจให้นักดนตรีหลายคนนำมันมาใช้กับเครื่องดนตรีอื่นๆ ซึ่งไม่อาจให้เสียงที่ชัดเจนในผลงานชิ้นนี้ได้มากไปกว่าแตร มีเพียงเสียงร้องของเครื่องดนตรีชนิดนี้โดยเฉพาะ การร้องเพลงทำนองที่ไพเราะและชวนฝันใน Adagio และความตื่นเต้นอย่างหลงใหลใน Allegro เท่านั้นที่จะเติมเต็มงานด้วยความโรแมนติกอย่างแท้จริง ชูมันน์ชอบใช้ท็อปโน๊ตของเขาในสถานที่ที่มีจุดสูงสุด มีอยู่ใน Adagio และ Allegro และในส่วนแตรที่หนึ่งและสามของ Third Symphony แต่ถึงแม้ความยากลำบากเหล่านี้ก็ดูเหมือน "ไม่มีอะไร" เมื่อเทียบกับคอนเสิร์ตสำหรับสี่แตรและวงออเคสตรา ดนตรีที่ยอดเยี่ยมของคอนเสิร์ตนี้ไม่ค่อยได้แสดงมากนักเนื่องจากความยากลำบากอย่างไม่น่าเชื่อของฮอร์นท่อนแรก โดยไปถึงสองเท่าถึง A ของอ็อกเทฟที่สอง - E ของอ็อกเทฟที่สามในการปรับจูน F

ทำนองของ The Nocturne ตั้งแต่เพลงของ F. Mendelssohn ไปจนถึงเพลงตลกของเช็คสเปียร์เรื่อง “A Midsummer Night’s Dream” นั้นไพเราะมาก บทเพลงจะดำเนินการโดยแตรตัวแรกตามด้วยแตรตัวที่สองและบาสซูน ได้ยินเสียงคณะนักร้องประสานเสียงที่ห่างไกลร้องเพลง

เราพบท่อนแตรที่ไพเราะมากในเพลงโอเปร่าของอาร์. วากเนอร์ เขาสัตว์ของเขาส่งเสียงเกือบตลอดเวลา ไม่ว่าจะเชื่อมต่อและเสริมความแข็งแกร่งให้กับกลุ่มออเคสตรา จากนั้นรวมกับกลุ่มใดกลุ่มหนึ่งหรือแสดงอย่างอิสระ วากเนอร์ใช้สีของเสียงร้องอย่างกว้างขวาง โดยใช้เครื่องดนตรีแต่ละชิ้นอย่างมีความหมายอย่างลึกซึ้ง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่สัญญาณของซิกฟรีดวีรบุรุษแห่งตำนานเยอรมันได้รับความไว้วางใจจากแตรซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่แพร่หลายไปในความโรแมนติกขององค์ประกอบของป่า สัญญาณนี้ทำหน้าที่เป็นเพลงประกอบของซิกฟรีดใน Tetralogy "The Ring of the Nibelung"

คะแนนของวากเนอร์บางส่วนมีแตรแปดตัว ดังนั้น ในโอเปร่า Das Rheingold จึงมีตอนที่มีชื่อเสียงที่พวกเขาเข้ามาทีละคน (ตามหลักบัญญัติ) ซึ่งแสดงถึงตัวอย่างที่โดดเด่นของการใช้แตรทั้งมวลในวงออเคสตรา ตามคำสั่งของวากเนอร์ เครื่องดนตรีทองเหลืองชนิดใช้วาล์วชนิดใหม่ได้ถูกสร้างขึ้น - แตรทูบา ขึ้นอยู่กับขนาดและโครงสร้าง ทูบาแบ่งออกเป็นเทเนอร์และเบส มีหลอดเป่าแตร และมีการออกแบบคล้ายกับแตรถึงแม้รูปลักษณ์และจังหวะจะแตกต่างกันก็ตาม ตามกฎแล้ว ผู้เล่นฮอร์นจะเล่นทูบา วากเนอร์ใช้เครื่องมือเหล่านี้ใน The Ring of the Nibelung การเดินขบวนศพที่จัดขึ้นบนทูบาใน "The Death of the Gods" มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ เสียงที่รุนแรงและเศร้าหมองที่แปลกประหลาดของวง Wagnerian tuba quartet เป็นแรงบันดาลใจให้กับ A. Bruckner, R. Strauss และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ มากกว่าหนึ่งครั้ง

เสียงแตรที่ไพเราะและโรแมนติกยังเป็นลักษณะเฉพาะของงานไพเราะหลายชิ้นในยุคนั้นด้วย ซิมโฟนีทั้งสี่ของ J. Brahms มีตอนของโซโลฮอร์น ซึ่งทำนองที่ได้รับแรงบันดาลใจจากการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนีมีความโดดเด่นเป็นพิเศษ

ในเพลงสามส่วนขนาดใหญ่ใน E-flat major สำหรับไวโอลิน ฮอร์น และเปียโนโดย Brahms ท่อนแตรมี "โทนเสียง" ของความรู้สึกที่สำคัญมาก ตั้งแต่เนื้อเพลงที่ใคร่ครวญไปจนถึงความน่าสมเพชที่เร่าร้อน จากความโศกเศร้าและโศกนาฏกรรมไปจนถึงการยืนยันชีวิตที่สดใส เช่นเดียวกับเพลง Sonata ของ Beethoven ใน F Major ซึ่งตีความแตรว่าเป็นเครื่องดนตรีที่กล้าหาญ ทั้งสามเพลงของ Brahms นำเสนอมันด้วยความสดใสเช่นเดียวกับเครื่องดนตรีที่มีอารมณ์เป็นโคลงสั้น ๆ

ท่อนแตรที่เป็นโคลงสั้น ๆ ในตอนเดี่ยวของซิมโฟนีของ S. Frank นั้นสื่ออารมณ์ได้ดีมาก ในการเคลื่อนไหวครั้งที่สอง แตรจะผสมผสานกับคลาริเน็ตได้อย่างสวยงามเพื่อขับเน้นเพลงหลักไปพร้อมๆ กัน

การปรับปรุงการออกแบบแตรเปิดโลกทัศน์ใหม่สำหรับการใช้วงดนตรีออเคสตราในดนตรีเยอรมันในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ซิมโฟนีของ A. Bruckner ซึ่งมีเนื้อหาเชิงปรัชญาลึกซึ้ง มักมีพื้นฐานมาจากการใช้เสียงแตรเป็นเครื่องมือในการแสดงละครออเคสตรา ในเรื่องนี้ Fourth Symphony มีความโดดเด่นส่วนแตรซึ่งแม้ว่าจะไม่โดดเด่นด้วยปัญหาทางเทคนิคมากนัก แต่ก็มีขนาดใหญ่มากจนเช่นแตรตัวแรกจะเล่นเกือบอย่างต่อเนื่อง สิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือการใช้แตรแตรของ Wagnerian ของ Bruckner ใน Seventh Symphony ทูบาเทเนอร์สองตัวและเบสสองตัวจะแสดงธีม Adagio อันโด่งดังซ้ำแล้วซ้ำเล่า รวมถึงตอนเดี่ยวในตอนจบด้วย

เขาสี่ถึงแปดเขามีส่วนร่วมในการแสดงซิมโฟนีของ G. Mahler พวกเขาเป็นหนึ่งในกลุ่มผู้นำของวงออเคสตราของเขา ชิ้นส่วนแตรที่มีความหลากหลาย มีบุคลิกพิเศษและสไตล์เป็นของตัวเอง ซึ่งทำให้เราสามารถพูดถึงเขา "มาห์เลอร์" ได้ สไตล์นี้สามารถเรียกได้ว่าแสดงออกถึงความโรแมนติก ในงานออเคสตราเกือบทั้งหมดผู้แต่งมอบความไว้วางใจให้กับแตรด้วยโซโล่ที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณซึ่งห่อหุ้มด้วยความเศร้าโรแมนติกเช่นในส่วนแรกของ First Symphony ในส่วนที่สามของ Fourth Symphony และในเพลง ในส่วนแรกของ Fourth Symphony แตรจะแสดงท่วงทำนองตามท้องถนนอย่างสนุกสนาน และในช่วงที่สองกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีเดี่ยวหลักซึ่งเป็นตัวละครหลักใน "การเต้นรำรอบแห่งความตาย" "มันสัมผัสด้วยเสียงที่น่าหลงใหลจากนั้นก็ ดังกึกก้องด้วยทองเหลือง” gestopft ใน Scherzo of the Fifth Symphony แตรแรกได้รับความไว้วางใจด้วยท่วงทำนองที่ร่าเริงและสง่างาม

นอกจากนี้ ส่วนแตรของซิมโฟนีทั้งหมดของ Mahler ยังเต็มไปด้วยวลีที่คมชัดและแสดงออกแบบไดนามิก ในที่สุด ส่วนแตรของซิมโฟนีของ Mahler ก็ได้รับการพัฒนาและเต็มไปด้วยตอนเดี่ยว (โดยเฉพาะ Fifth Symphony) ที่มักแสดงเป็นตัวละครในคอนเสิร์ต

อาร์ สเตราส์เป็นบุตรชายของนักเล่นฮอร์นชื่อดัง ฟรานซ์ สเตราส์ ซึ่งฮันส์ ฟอน บูโลว์ วาทยกร นักเปียโน และนักแต่งเพลงที่โดดเด่น เรียกเขาว่า "โจอาคิม ออฟ เดอะฮอร์น" ในการเรียบเรียงของเขา เขาได้แสดงความเคารพต่อบิดาของเขา: คะแนนของการเรียบเรียงทั้งหมดของเขารวมถึงท่อนแตรที่เก่งกาจ ซึ่งบางครั้งก็ทำได้ยาก พวกเขายังมีตอนเดี่ยวที่ดำเนินธีมหลักของงาน เช่น ใน "The Life of a Hero" หรือในบทกวีไพเราะ "Till Eulenspiegel" ซึ่งเสียงแตรสร้างภาพลักษณ์ของความสนุกสนานและการเล่นตลก จนถึง

พี. สเตราส์มีเขาตั้งแต่สี่ถึงแปดเขาในผลงานของเขา และยังมีอีกยี่สิบเขาในอัลไพน์ซิมโฟนี: แปดเขาในวงออเคสตรา และอีกสิบสองเขานอกเวทีสำหรับเล่นสายล่าสัตว์ สเตราส์เป็นเจ้าของคอนแชร์โตสำหรับแตรและวงออเคสตราสองรายการ ซึ่งเป็นที่ยอมรับอย่างมั่นคงในกลุ่มผู้เล่นฮอร์น คนแรกเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2426 เมื่อสเตราส์ยังเป็นนักศึกษาอยู่ที่มหาวิทยาลัยมิวนิก งานนี้เต็มไปด้วยความรู้สึกภาคภูมิใจและกระตือรือร้นถึงความสุขของชีวิต คอนแชร์โต้ครั้งที่สองแต่งขึ้นเมื่อสิ้นสุดอาชีพของเขา - ในปี 1942 เมื่อเทียบกับคอนเสิร์ตครั้งแรก รูปแบบจะซับซ้อนกว่า ดนตรีของเขาได้รับแรงบันดาลใจจากน้ำเสียงของผลงานวงออเคสตราของเขาเอง และในธีมหลักของตอนจบมีการใช้วลีแตรจาก Till Eulenspiegel เกือบจะเป็นเครื่องหมายคำพูด

ฮอร์นในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 โรงเรียนนักแต่งเพลงชาวรัสเซียได้ก่อตั้งขึ้น วงดุริยางค์ซิมโฟนีของรัสเซีย ทั้งในองค์ประกอบของเครื่องดนตรีและลักษณะการใช้งาน สอดคล้องกับมาตรฐานที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปของวงออเคสตราของยุโรปในขณะนั้น บทบาทเดียวกันนี้ถูกกำหนดให้กับแตร - วลีเดี่ยว, ดนตรีประกอบฮาร์โมนิก เขามอบหมายตอนเดี่ยวของเธออย่างกล้าหาญที่สุด O. A. Kozlovsky ในการทาบทามจากดนตรีของเขาไปจนถึงโศกนาฏกรรม "Fingal" ของ N. Ozerov มีโซโลขนาดใหญ่และในช่วงพักการแสดงครั้งที่สองตอนโซโลถือเป็นคอนเสิร์ตสำหรับแตรและวงออเคสตราเป็นหลัก

ในการแสดงเดี่ยวแตรจากบัลเลต์ของ A. Alyabiev เรื่อง "The Magic Drum or the Consequence of the Magic Flute" คุณจะได้ยินน้ำเสียงของดนตรีโอเปร่าของอิตาลีซึ่งเป็นกระแสนิยมในขณะนั้น Alyabyev ยังเขียนกลุ่มชาวรัสเซียกลุ่มแรกสำหรับฟลุต โอโบ คลาริเน็ต แตร และบาสซูน

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 การก่อตั้งโรงเรียนดนตรีรัสเซียเสร็จสมบูรณ์ เมื่อผสมผสานกับความร่ำรวยของดนตรีพื้นบ้านรัสเซียเข้ากับความสำเร็จสูงสุดของทักษะทางดนตรี M. I. Glinka ได้สร้างหลักการพื้นฐานของรูปแบบดนตรีประจำชาติรวมถึงในด้านเครื่องดนตรีด้วย “เครื่องดนตรีนั้นขึ้นอยู่กับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีโดยตรง ความงดงามของความคิดทางดนตรีกระตุ้นให้เกิดความงดงามของวงออเคสตรา” ผู้แต่งกล่าวใน “บันทึกเกี่ยวกับเครื่องดนตรี” ของเขา

เมื่อมองแวบแรก ส่วนแตรในวงออเคสตราของ Glinka ดูเรียบง่ายมาก ราวกับว่าไม่ได้เพิ่มอะไรใหม่ให้กับหลักการของการใช้คลาสสิกในวงออเคสตรา ไม่มีข้อความอัจฉริยะมากมายที่พัฒนาโดยโซโล ส่วนใหญ่ประกอบด้วยเสียงฮาร์มอนิก เสียงสะท้อน วลีโซโลเล็กๆ และโน้ตเดี่ยว อย่างไรก็ตาม "บันทึกส่วนบุคคล" เหล่านี้ในเนื้อหาโดยรวมของเพลงของเขากลับกลายเป็นว่ามีความสำคัญและแสดงออกมากจนเป็นเรื่องยากที่จะแสดง ตัวอย่างเช่นเป็นเสียงอ็อกเทฟที่ยั่งยืนในหลักการที่มีชื่อเสียง - จากการแสดงครั้งแรกของโอเปร่า "Ruslan และ Lyudmila" ซึ่งแสดงให้เห็นภาพอาการมึนงงทั่วไประหว่างการลักพาตัว Lyudmila; เขาที่เงียบเสียงในเพลงของ Ratmir ทำให้เกิดรสชาติที่น่าอัศจรรย์ วลีจำลองและการผสมกับเครื่องเป่าลมไม้ในโอเปร่าเดียวกัน ฯลฯ วลีที่สวยงามของแตรเดี่ยวใน "Waltz-Fantasy" ใน "Kamarinskaya" ในโอเปร่า "Ivan Susanin" ตกแต่งเสียงออเคสตราหรือเน้นสถานการณ์ทางดนตรี ในความโรแมนติคของ Antonida จากโอเปร่า "Ivan Susanin" ความโศกเศร้าอันไร้ขอบเขตถูกเน้นย้ำด้วยเสียงแตรที่คลอและเมื่อรวมกับส่วนของเสียงร้องแล้วยังได้รับพลังในการแสดงออกที่ยอดเยี่ยม

ในงานของ Glinka เราพบกับปรากฏการณ์ที่ไม่เคยมีมาก่อนในการฝึกเล่นแตร: การออกเสียงเสียงเชิงความหมาย “ ความพูดน้อยของส่วน, ความเกี่ยวข้องที่น่าทึ่งของเสียงแตรในการแสดงโอเปร่า, การเชื่อมโยงกับเนื้อหาของแอ็คชั่นทำให้เกิดงานใหม่สำหรับนักแสดง: คุณต้องตื้นตันใจกับความหมายของส่วนนั้น, ค้นหาการแสดงออกพิเศษของการแสดงเพื่อ “ยืนยัน” ความคิดของนักร้องเพื่อเน้นดราม่าของสถานการณ์ นี่คือที่มาของสไตล์การแสดงดนตรีซึ่งได้รับการพัฒนาในดนตรีรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นสไตล์ที่มีพื้นฐานมาจากความเข้าใจในเสียงต่ำในการออกเสียงที่ไพเราะและการผลิตเสียง »

ส่วนแตรในโอเปร่าเรื่อง Prince Igor โดย A.P. Borodin น่าสนใจมาก เสียงของมันสามารถได้ยินได้ทั่วทั้งโอเปร่า ในการทาบทามเธอแสดงทำนองจากเพลงของ Igor ซึ่งเต็มไปด้วยแรงบันดาลใจทางบทกวี

ตอนโซโลฮอร์นในการแสดง Polovtsian ของ cavatina ของ Konchakovna และ cavatina ของ Vladimir Igorevich มีความสวยงามผิดปกติและเอฟเฟกต์ของเสียงปิดในการเต้นรำนั้นเป็นต้นฉบับ แม้ว่าโอเปร่าจะไม่ได้เขียนเสร็จโดยผู้เขียน แต่โดย Rimsky-Korsakov และ Glazunov ก็สามารถสันนิษฐานได้ว่ารูปแบบการใช้เครื่องดนตรีของ Borodin และความตั้งใจของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งในส่วนที่เกี่ยวกับแตรนั้นได้รับการเคารพ หลักฐานที่แสดงถึงความรู้อันยอดเยี่ยมของ Borodin เกี่ยวกับเครื่องดนตรีนี้สามารถเห็นได้ในการแสดงเดี่ยวครั้งใหญ่ใน Andante ของซิมโฟนี "Bogatyr" ครั้งที่สองของเขา ลักษณะการเล่าเรื่องของธีม พร้อมด้วยพิณ กระตุ้นให้เกิดการเชื่อมโยงกับภาพลักษณ์ของนักร้อง-นักเล่าเรื่องบายันในสมัยโบราณ

ริมสกี-คอร์ซาคอฟ ซึ่งใช้หลักการเครื่องดนตรีของกลินกา ได้สร้างสไตล์ดนตรีอันงดงามที่โดดเด่นในสีสันและการแสดงออก ในวงออเคสตราของ Rimsky-Korsakov แตรมีบทบาทอย่างมาก - มีแตรโซโลในงานออเคสตราทั้งหมดของเขา มีความหลากหลายและคำนึงถึงความสามารถในการแสดงออกของเครื่องดนตรีอยู่เสมอ เช่นเดียวกับ Glinka อีกครั้งที่ได้ยินความไพเราะของรัสเซียในส่วนแตรในการทาบทามของโอเปร่า "May Night" ใน "Pskovianka" การทาบทามการหยุดพักการแสดงครั้งสุดท้าย ในคืนก่อนวันคริสต์มาส การแสดงโอเปร่าเบื้องต้น องก์ที่สาม และโอเปร่าอื่นๆ ของเขา

ในโอเปร่าเรื่อง "The Tale of Tsar Saltan" ส่วนแตรโดยเฉพาะท่อนแรกมีความหลากหลายในตัวละครและอุดมไปด้วยตอนเดี่ยว พวกเขาพรรณนาภาพดนตรีของทะเล (องก์ที่สอง, สาม, ถังที่ลอยอยู่ในทะเล ) ได้ยินในธีมของ Guidon และ Saltan พร้อมกับคำสั่งให้ยกแตรในขบวนฮีโร่พร้อมเพรียงกัน

นักโซโลอัจฉริยะหลายคนต้องการความคล่องตัวเป็นพิเศษจากอุปกรณ์ริมฝีปาก “การเล่นคอนก” ในเพลงของเจ้าหญิงหงส์ขาวถ่ายทอดด้วยเสียงแตรได้อย่างสวยงามน่าอัศจรรย์

Rimsky-Korsakov ใช้เทคนิคเสียงปิดอย่างน่าสนใจในโซโลอันไพเราะของส่วนที่สองของชุด Scheherazade สร้างความประทับใจว่าได้ยินเสียงแตรจากระยะไกล

ฮอร์นโซโล่ส่วนใหญ่ในผลงานของริมสกี-คอร์ซาคอฟมีลักษณะเป็นตัวละครที่เป็นภาพหรือเป็นตัวละครที่เล่าเรื่องและยิ่งใหญ่

แตรเดี่ยวในส่วนที่สองของกลุ่มสำหรับเปียโนและเครื่องดนตรีลมวาดภาพที่มีสีสันมากของภาพดนตรีในสไตล์มหากาพย์ของรัสเซีย

การพัฒนาหลักการเครื่องดนตรีของ Glinka ซึ่งเป็นส่วนเพิ่มเติมคือการแสดงออกของความคิดทางดนตรีผ่านเสียงเครื่องดนตรียังคงดำเนินต่อไปในดนตรีของ P. I. Tchaikovsky ความปรารถนาที่จะสะท้อนชีวิตฝ่ายวิญญาณของมนุษย์อย่างเต็มที่ทำให้เขาสร้างสไตล์ออเคสตราที่เข้มข้นและดั้งเดิมมากซึ่งการใช้แตรมีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ในการแสดงเดี่ยวครั้งสำคัญและเมื่อรวมแตรหลายอันเข้าด้วยกัน มักจะแสดงธีมหลักของผลงานของไชคอฟสกีในการรวมแตรเข้ากับเครื่องดนตรีอื่น ๆ ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือการนำธีมแตรไปใช้ครั้งแรกใน Andante อันโด่งดังจาก Fifth Symphony ธีมหลักที่แสดงโดยแตรในผลงานของไชคอฟสกีมีความหลากหลายมาก นี่คือท่วงทำนองที่ดึงออกมาซึ่งเต็มไปด้วยความครุ่นคิดและความโศกเศร้าในส่วนแรกของ Second Symphony (บทนำ) และธีมการเล่าเรื่องพื้นบ้านในการทาบทามของโอเปร่า "Cherevichki" และการประโคมข่าวที่เต็มไปด้วยความหลีกเลี่ยงไม่ได้ถึงชีวิตในช่วงที่สี่ ซิมโฟนี ความสามัคคีที่แยกไม่ออกของเสียงแตรและเนื้อหาของท่วงทำนองทำให้มีเอกลักษณ์ในการแสดงออก

ผลงานโอเปร่าของโมสาร์ท

โมสาร์ทเขียนโอเปร่าตลอดชีวิตของเขา เริ่มตั้งแต่อายุ 11 ปี ตอนอายุ 11-12 ปีเขาเขียนว่า: "Apollo and Hyacinth", "The Imaginary Simpleton", "Bastien และ Bastienne" ตอนอายุ 14 ปี - “Mithridates the King”

ปอนติค” โมสาร์ทเขียนโอเปร่าในประเภทต่างๆ: โอเปร่าบัฟฟา - "The Imaginary Simpleton", "The Imaginary Gardener", "นั่นคือสิ่งที่ทุกคนทำ" โอเปร่าเดี่ยว - "ผู้อำนวยการโรงละคร", "บาสเตียนและบาสเตียน", "การลักพาตัวจาก Seraglio" ละครชุด – “Mithridates the King of Pontus”, “Idomeneo” แต่ข้อดีหลักของ Mozart ก็คือเขาสร้างแนวใหม่ขึ้นมาโดยอิงจากแนวเพลงเก่าๆ เหล่านี้: อิงจากโอเปร่าบัฟฟา, โคลงสั้น ๆ คอมเมดี้เรื่อง "The Marriage of Figaro" และละครแนวจิตวิทยา "Don Giovanni" อิงจากโอเปร่า Singspiel - เทพนิยายเชิงปรัชญา "The Magic Flute" นวัตกรรมของโมสาร์ทอยู่ที่ความจริงที่ว่าในโอเปร่าเรื่องหนึ่งเขาใช้เทคนิคของทั้งละครตลกและโอเปร่าที่จริงจัง โดยพื้นฐานแล้ว Mozart เป็นนักปฏิรูปโอเปร่า

สิ่งใหม่ในโอเปร่าของ Mozart:

1. อัปเดตประเภทเก่า รวมคุณสมบัติของประเภทต่างๆ ไว้ในโอเปร่าเดียว

2. ถ่ายทอดชีวิตได้อย่างสมจริง ทำให้ตัวละครมีความสดใส มีลักษณะที่หลากหลาย

3. มุ่งมั่นเพื่อความสามัคคีของดนตรีและละคร แต่ให้ความสำคัญกับดนตรีเป็นอันดับแรก

4. ใช้เพลงประกอบในโอเปร่า (เพลงประกอบของผู้บัญชาการในโอเปร่า “ดอนฮวน”) เพลงประกอบเป็นธีมที่แสดงลักษณะของฮีโร่และซ้ำหลายครั้ง

5. การจัดเรียงตัวเลขไม่อยู่ภายใต้กฎเกณฑ์ แต่ขึ้นอยู่กับการพัฒนาของการกระทำ

6. สิ่งสำคัญคืออาเรียและตระการตา ชิ้นส่วนในตระการตาเป็นรายบุคคล

7. บทบาทที่ยิ่งใหญ่ของวงออเคสตรา

ผลงานโอเปร่าของโมสาร์ทถือเป็นความสำเร็จสูงสุดของการแสดงโอเปร่าสมจริงแห่งศตวรรษที่ 18

"การแต่งงานของฟิกาโร" (2329)

โอเปร่า "The Marriage of Figaro" สร้างจากคอมเมดี้ของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศส Beaumarchais "A Mad Day or the Marriage of Figaro" (คอมเมดี้นี้เป็นส่วนหนึ่งของไตรภาค: 1 – “The Barber of Seville”, 2 – “The การแต่งงานของฟิกาโร”, 3 – “แม่อาชญากร”) บทนี้เขียนโดย Lorenzo da Ponte การแสดงตลกถูกห้ามโดยการเซ็นเซอร์ และความรุนแรงทางสังคมในโอเปร่าก็เบาบางลง โมสาร์ทสร้างบทตลกที่อิงจากบทละครโอเปร่าใน The Marriage of Figaro แนวคิดหลักของโอเปร่า: การต่อสู้ของ Figaro เพื่อสิทธิมนุษยชนและศักดิ์ศรีของเขา ในด้านศีลธรรมและสติปัญญา คนรับใช้กลับกลายเป็นว่าเหนือกว่านายของเขา (เนื้อหาของโอเปร่า - หน้า 294 การวิเคราะห์การกระทำ หน้า I68-204)

โอเปร่ามี 4 องก์ ประกอบด้วยตัวเลขที่สมบูรณ์ซึ่งเชื่อมต่อกันด้วยบทบรรยาย เริ่มต้นด้วยการทาบทาม ในรูปแบบโซนาต้าที่ไม่มีการพัฒนา ดนตรีของการทาบทามจะไม่พบในโอเปร่า แต่ในลักษณะและลีลาของดนตรีของโอเปร่าและการทาบทามนั้นมีความใกล้เคียงกัน ส่วนหลักประกอบด้วยสองธีม: ธีมแรกรวดเร็วและหมุนวน; หัวข้อที่สองมีลักษณะเป็นการประโคมข่าว ส่วนด้านข้างเป็นแบบถาวรราวกับกำลังตอกซึ่งสัมพันธ์กับภาพลักษณ์ของฟิกาโรที่รู้วิธีบรรลุเป้าหมาย ส่วนสุดท้ายมีความสง่างาม สง่างาม และเชื่อมโยงกับภาพลักษณ์ของซูซาน หลังจากลำดับสั้นๆ จะมีการบรรเลงใหม่ทันที ซึ่งธีมทั้งหมดจะดำเนินการในคีย์หลัก เสร็จสิ้นการทาบทามโคดาซึ่งสร้างขึ้นจากธีมของส่วนหลัก ในโอเปร่าเรื่อง "The Marriage of Figaro" โมสาร์ทเผยให้เห็นชีวิต ตัวละครมนุษย์ หลากหลายและสมจริง นี่คือนวัตกรรมของโมสาร์ท ดังนั้นโอเปร่าของเขาจึงมักถูกเรียกว่าโอเปร่าแห่งตัวละคร เขาเปิดเผยสิ่งเหล่านั้นผ่านแนวเพลงบางประเภทและผ่านน้ำเสียงบางช่วง

ลักษณะของตัวละครหลัก - Figaro และ Susanna - มีระบุไว้ในตอนต้นของโอเปร่า ผิดปกติ ลักษณะแรกของพวกเขาจะได้รับเป็นเพลงคู่ นอกจากนี้ Mozart ยังได้แสดงเพลงคู่ 2 ครั้งติดต่อกัน การดูเอตทั้งสองเป็นโคลงสั้น ๆ และตลกขบขัน แต่ก็มีความแตกต่างเช่นกัน ในเพลงคู่แรก ท่อนของ Figaro และ Suzanne จะตัดกัน ฟิกาโรวัดห้องด้วยบันได ส่วนของเขาพังทลาย เขานับ (หน้า 17) ซูซานกำลังลองสวมหมวกในเวลานี้ ส่วนของเธอสง่างามและสง่างาม (หน้า 18) เมื่อฟิกาโรหันความสนใจไปที่ซูซาน ปาร์ตี้ของเขาก็คล้ายกับปาร์ตี้ของเธอ ในการแสดงคู่ครั้งที่ 2 พวกเขาแสดงทัศนคติต่อห้องบริจาค ซูซานไม่พอใจที่ห้องอยู่ใกล้ห้องของท่านเคานต์ เธอบอกว่าท่านเคานต์มักจะให้ความสนใจเธอ ที่นี่ส่วนของ Figaro และ Suzanne อยู่ใกล้กัน มีเพียงส่วนของ Figaro เท่านั้นที่เป็นเอก และของ Suzanne อยู่ในระดับรอง ดังนั้นมันจึงนุ่มนวลกว่า (หน้า 25)

ซูซานนาจากไปและฟิกาโรถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพัง ใน Cavatina Figaro ยังคงพัฒนาตัวละครของเขาต่อไป (หน้า 35) มีการเน้นย้ำว่า Figaro พร้อมที่จะปกป้องสิทธิ์ในการมีความสุขของเขาไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือด้วยความมีไหวพริบและการวางอุบาย แบบฟอร์ม 3 ส่วน ส่วนปลายสุดของคาวาติน่ามีลักษณะเป็นมินูเอต ฟิกาโรแสร้งทำเป็นสุภาพและยอมจำนนโดยเลียนแบบท่านเคานต์ และเยาะเย้ยพฤติกรรมดังกล่าว ส่วนตรงกลางอยู่ที่จังหวะเร็วใน 2/4 เน้นย้ำถึงกิจกรรมและความกล้าแสดงออกของฟิกาโร เขากลายเป็นตัวเอง - ร่าเริงหยาบคาย ภาพของฟิกาโรถูกเปิดเผยอย่างชัดเจนในตัวเลขอื่น ตัวอย่างเช่นในเพลงของเขา "Frisky Boy" จาก 1d (หน้า 94) เพลงนั้นจ่าหน้าถึง Cherubino ฟิกาโรล้อเลียนเชรูบิโนที่ถูกส่งเข้ากองทัพ กิริยาร่าเริง ร่าเริง ไหวพริบ และพลังของฟิกาโรถูกเปิดเผย ฟอร์มรอนโด้ จังหวะมาร์ช คุณสมบัติใหม่จะแสดงในเพลงจาก 4D “ถึงเวลาที่จะเข้าใจแล้วมนุษย์” (หน้า 319) เพลงนี้เผยให้เห็นความสามารถของ Figaro ในการทนทุกข์และเสียใจในสิ่งที่เกิดขึ้น เขาคิดว่าซูซานกำลังนอกใจเขาและเป็นกังวล ดนตรีของอาเรียนั้นรองจากข้อความ - ดูเหมือนเป็นการบรรยายที่น่าสมเพชบางครั้งก็อิดโรยและอ่อนโยนบางครั้งก็มีองค์ประกอบการเต้น โดยทั่วไปแล้วภาพลักษณ์ของ Figaro นั้นถูกเปิดเผยในหลาย ๆ ด้าน - มันเป็นตัวละครที่มีชีวิตและเป็นมนุษย์ ซูซานมีบุคลิกที่โดดเด่นมาก เน้นความสง่างาม ความหรูหรา และความเป็นผู้หญิง ตัวอย่างเช่น ร้องเพลงคลอจาก 1d เพลงที่น่าสนใจจาก 4D “มาเถอะเพื่อนรัก” (หน้า 328) ซูซานแต่งตัวเป็นคุณหญิง และคุณหญิงแต่งตัวเป็นซูซาน ซูซานต้องยอมจำนนต่อมนต์เสน่ห์แห่งค่ำคืนและแสดงเพลงอาเรีย ในจังหวะช้าๆ ในจังหวะซิซิลี เพลงจะฟังดูเหมือนเพลงขับกล่อมแห่งความรัก รงค์ทำให้ท่วงทำนองมีความซับซ้อนและอ่อนโยน ซูซานเผยความรักที่เธอมีต่อฟิกาโร บทเพลงบทกวีในละครตลกถือเป็นปรากฏการณ์ใหม่ในขณะนั้น

โมสาร์ทเน้นย้ำถึงความรู้สึกโคลงสั้น ๆ ไม่เพียง แต่ในซูซานนาเท่านั้น แต่ยังเน้นไปที่หน้าเด็กเชรูบิโนด้วย นี่คือเด็กอายุ 13 ปี เขาอาศัยอยู่ในบรรยากาศแห่งความรักและแสดงให้เห็นถึงความกระหายในชีวิตและความรัก นี่เป็นภาพที่บริสุทธิ์อ่อนโยนน่าหลงใหลและมีเสน่ห์ เขาหลงรักผู้หญิงทุกคนในปราสาท แต่โดยทั่วไปแล้วไม่มีใครเลย ส่วนของ Cherubino ขับร้องโดยเสียงเมซโซ-โซปราโนของผู้หญิง นอกจากนี้ยังมีลักษณะการ์ตูนในรูปของ Cherubino แต่สิ่งสำคัญคือด้านโคลงสั้น ๆ ของเขา พวกเขาถูกเปิดเผยในสองอาเรีย ในเพลงจาก 1d “ฉันบอกไม่ได้ ฉันอธิบายไม่ได้” (หน้า 56) เขาพยายามอธิบายความรู้สึกของเขาให้ซูซานฟัง เพลงจังหวะเร็ว ส่วนเสียงร้องมีความไพเราะแต่เร่งร้อน ตื่นเต้น เพราะประกอบด้วยวลีสั้นๆ สั่นไหว โดยคั่นด้วยการหยุดชั่วคราว อาริเอตต้าจาก 2d “สิ่งที่กวนใจมาก” (หน้า 113) ในธรรมชาติของบทเพลงโรแมนติก หน้านี้ประกอบด้วย canzonetta ซูซานและเคาน์เตสชักชวนให้เขาร้องเพลงให้พวกเขาฟัง ซูซานเล่นกีตาร์ร่วมกับเขา ทำนองมีความอ่อนโยน ครุ่นคิด มีสีที่ละเอียดอ่อน ในวงออเคสตราเลียนแบบการเล่นกีตาร์ ช่วงกลางมีเสียงที่เข้มข้นและเร้าใจมากขึ้น

โมสาร์ทยังมอบอาเรียที่สื่อความหมายให้กับตัวละครรองอีกด้วย เช่น เพลงของ Barbarina จาก 4d “เข็มกลัดของฉันหาย” (หน้า 296) นี่คือลูกสาวคนสวนวัย 11 ขวบ เธอคร่ำครวญว่าเธอสูญเสียเรื่องตลกที่เธอควรจะมอบให้กับเคานต์ให้กับซูซาน เธอแสดงอาการเศร้าและไร้เดียงสา ทำนองมีความอ่อนโยนและเศร้า

ลักษณะทางดนตรีของตัวละครเชิงลบนั้นเป็นแบบดั้งเดิมมากกว่า เช่น เพลงของ Bartolo จาก 1d “Hour of Vengeance” (หน้า 41) – ตามแบบฉบับของท่อนเบสหวือหวา มันได้แสดงนัยสำคัญ มีการใช้เทคนิคทั่วไป: เสียงร้อง, การทำซ้ำหลายครั้งของเสียงเดียว, การกระโดดครั้งใหญ่ ดังนั้นการแสดงตลกและการแต่งเนื้อร้องจึงเกี่ยวพันกันในโอเปร่า และตัวละครของตัวละครก็มีชีวิตชีวาและหลากหลาย และนี่คือนวัตกรรมของโมสาร์ท

ดิติน่า โอลกา เซอร์เกฟนา

MBU DO "โรงเรียนศิลปะ Cherepovets District"

ผลงานโอเปร่าของโมสาร์ท

ในบรรดาผลงานของโมสาร์ทประเภทต่างๆ โอเปร่าเป็นที่ชื่นชอบมากที่สุด โมสาร์ทเขียนโอเปร่าเกือบทั้งชีวิตสร้างสรรค์ของเขา โอเปร่ายุคแรกของเขา ("Apollo and Hyacinth", โอเปร่าบัฟฟา "The Imaginary Simpleton" และเพลง "Bastien และ Bastienne") เขียนเมื่ออายุ 11-12 ปี, โอเปร่าซีรีส์ "Mithridates, King of Pontus" - ที่ อายุ 14 ปีโอเปร่าเรื่องสุดท้าย - “ The Magic Flute" - เขียนในปีแห่งความตาย

เพื่อทำความเข้าใจสุนทรียศาสตร์ด้านโอเปร่าของ Mozart คำพูดของเขามีความสำคัญมาก: "ในโอเปร่า กวีนิพนธ์ต้องเป็นลูกสาวที่เชื่อฟังของดนตรี" จากคำพังเพยสั้น ๆ นี้ ความแตกต่างพื้นฐานระหว่างมุมมองของโมสาร์ทเกี่ยวกับโอเปร่าและมุมมองของกลัคผู้พยายามใช้ดนตรีรองไปสู่การแสดงละครก็ชัดเจน แต่เมื่อพิจารณาว่าดนตรีเป็นพื้นฐานของโอเปร่า ในขณะเดียวกัน Mozart ก็ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับเนื้อหาที่น่าทึ่งของโอเปร่า ในการแสดงโอเปร่าสำหรับผู้ใหญ่ของเขา ดนตรีมีความเป็นหนึ่งเดียวกันอย่างสมบูรณ์กับการแสดงบนเวทีเสมอ โมสาร์ทต้องการบทละครโอเปร่าของเขาอย่างมาก ผู้แต่งเชื่อว่าข้อความของบทเพลงควรจะกระชับที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้และไม่ควรมีสิ่งใดในนั้นที่จะทำให้การดำเนินการล่าช้า

โมสาร์ทเรียกร้องความกระชับและความเอาใจใส่ต่อดนตรีสูงสุดจากนักเขียนบทละครของเขา โมสาร์ทมองว่าโอเปร่าเป็นสิ่งมีชีวิตทางศิลปะสังเคราะห์ที่ซับซ้อน ไม่ใช่แค่ในฐานะงานดนตรีเท่านั้น ด้วยความที่โมซาร์ทให้ความสำคัญกับดนตรีเป็นอันดับหนึ่ง เขาเชื่อมั่นว่าบทละครโอเปร่าไม่ใช่งานละครอิสระ และพยายามแสวงหาการปฏิบัติตามบทละครเพลงอย่างไม่หยุดยั้งและต่อเนื่อง

งานของโมสาร์ทครอบคลุมแนวโอเปร่าเกือบทั้งหมดในยุคนั้น - ซีรีส์ (Idomeneo, La Clemenza di Tito), buffa (The Marriage of Figaro, That's What Everyone Do), singspiel (The Abduction from the Seraglio, The Magic Flute) หลังจากเริ่มต้นอาชีพการแสดงโอเปร่าด้วยนางแบบที่มีชื่อเสียง ในช่วงที่เขาโตเต็มที่ นักแต่งเพลงก็มาสร้างโอเปร่าประเภทใหม่ทั้งหมด ในนั้น เขาได้สะท้อนถึงกฎหมายที่บังคับใช้สำหรับลัทธิคลาสสิกในเรื่องความแตกต่างระหว่างแนวเพลงสูง (จริงจัง โศกนาฏกรรม) และแนวต่ำ (ตลก) โดยผสมผสานคุณสมบัติต่างๆ เข้าด้วยกันภายใต้กรอบของละครแนวใหม่ที่สมจริง สิ่งนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในสามจุดสูงสุดหลักของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าของโมสาร์ท - "การแต่งงานของฟิกาโร", "ดอนจิโอวานนี่" และ "The Magic Flute" ในเวลาเดียวกันผู้แต่งอาศัยหนังควายและร้องเพลงเป็นหลักซึ่งเป็นละครการ์ตูนประเภทต่างๆ

การกำหนดระยะเวลา

การจัดเรียงโอเปร่าที่สำคัญที่สุดของโมสาร์ทตามลำดับเวลาซึ่งสร้างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 8 แสดงถึงความสมมาตรแบบหนึ่ง ในตอนต้นและปลายทศวรรษมีเพลงสองเพลง - "The Abduction from the Seraglio" (1782) และ "The Magic Flute" (1791) เขียนด้วยข้อความภาษาเยอรมันพร้อมบทสนทนาพูดแทนการบรรยาย ข้างในนั้นมีโอเปร่า 2 เรื่องที่สร้างจากตำราภาษาอิตาลีซึ่งพัฒนาประเพณีของนักโอเปร่าชาวอิตาลี - "The Marriage of Figaro" (1786), "นั่นคือสิ่งที่ทุกคนทำ" (1790) และระหว่างพวกเขา "Don Giovanni" (1787) ผสมผสานกัน ลักษณะที่สำคัญที่สุดของละครเพลงโศกนาฏกรรมและตลกและเป็นละครเพลงแนวจิตวิทยา

42

อิทธิพลของดนตรีที่มีต่อบุคคล 07.02.2016

เรียนคุณผู้อ่าน วันนี้เราจะเดินทางสู่โลกแห่งดนตรีของนักแต่งเพลงชาวเวียนนา W.A. Mozart อีกครั้ง และเราจะพูดถึงโอเปร่าของโมสาร์ท แน่นอนว่าเราจะไม่มีการวิเคราะห์โอเปร่าเหล่านี้อย่างมืออาชีพ เราจะฟังบางส่วนและพูดคุยเกี่ยวกับสิ่งที่เราสามารถเกี่ยวข้องได้

Liliya Szadkowska ผู้อ่านบล็อกของฉันและเป็นครูสอนดนตรีที่มีประสบการณ์มากมายจะมาแบ่งปันความคิดของเธอกับเราวันนี้ หลายคนคงคุ้นเคยกับลิลลี่แล้ว มีบทความในบล็อกเกี่ยวกับ Sunny Mozart และเอฟเฟกต์เวทย์มนตร์ของดนตรีของเขาแล้ว ฉันกับลิลิยาอยากจะให้ข้อมูลในบล็อกเกี่ยวกับเพลงกล่อมเด็กของโมสาร์ทด้วย นี่เป็นการดำน้ำที่ยอดเยี่ยมที่เรามีในบล็อกสำหรับวันครบรอบของ Mozart พูดได้เลยว่าเราก็เฉลิมฉลองด้วยโดยร่วมร้องเพลงของผู้แต่งในลักษณะนี้ ตอนนี้ฉันจะยกพื้นให้ลิเลียแล้วตามประเพณีฉันจะเพิ่มความคิดของเธอเล็กน้อย

วิวัต, โมสาร์ท!

สวัสดีตอนบ่ายกับผู้อ่านบล็อกของ Irina ทุกคน วันที่ 27 มกราคมเป็นวันครบรอบ 260 ปีวันเกิดของนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) การเฉลิมฉลองเกิดขึ้นทั่วโลก แต่แน่นอนว่างานหลักเกิดขึ้นในบ้านเกิดของนักแต่งเพลงในออสเตรีย

“บางทีคงไม่มีชื่อใดที่มนุษยชาติจะโค้งคำนับ ชื่นชมยินดี และซาบซึ้งใจเช่นนี้มาก่อน โมสาร์ทก็เป็นสัญลักษณ์ของดนตรีนั่นเอง” นี่คือสิ่งที่นักแต่งเพลง B. Astafiev พูดเกี่ยวกับดนตรี

และวันนี้เราขอนำเสนอโลกแห่งศิลปะโอเปร่าอันมหัศจรรย์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ แต่ก่อนอื่น เป็นการเที่ยวระยะสั้นก่อน โรงละครเริ่มต้นด้วยเวทมนตร์ โดยเฉพาะโอเปร่า นี่เป็นงานเฉลิมฉลองและการประชุมอันคู่ควรแก่กษัตริย์ ระเบียง ระเบียง ผ้าม่านปักสีทอง และเบาะนั่งหุ้มกำมะหยี่ เราพบว่าตัวเองอยู่ในวังที่แท้จริง ที่ซึ่ง Her Majesty Music อาศัยอยู่! ก่อนที่เราจะมีโรงโอเปร่าที่ดีที่สุดในโลกหลายแห่ง อะไรสวย!

โอเปร่าเดอมอนติคาร์โล" ในโมนาโก

โรงอุปรากร การ์นิเย่ร์ ปารีส ประเทศฝรั่งเศส

โรงละคร La Fenice เมืองเวนิส ประเทศอิตาลี

โรงละครบอลชอย กรุงมอสโก ประเทศรัสเซีย

โรงอุปรากรแห่งรัฐเวียนนา

โอเปร่าเป็นหนึ่งในประเภทศิลปะดนตรีที่ร่ำรวยและซับซ้อนที่สุด ซึ่งบทกวีและศิลปะการละคร เสียงร้องและดนตรีบรรเลง การเต้นรำ ภาพวาด ทัศนียภาพ และเครื่องแต่งกายถูกหลอมรวมเข้าด้วยกัน โอเปร่ามีประวัติที่น่าสนใจ

คุณรู้ไหมว่า:

• ตามที่อริสโตเติลกล่าวไว้ โรงละครถูกสร้างขึ้นเพื่อให้ผู้คนได้สัมผัสกับ "การระบายอารมณ์" - การชำระจิตวิญญาณ
• บ้านเกิดของโอเปร่าคืออิตาลี ซึ่งผู้คนมีชื่อเสียงในด้านเสียงร้องและบทเพลงมาโดยตลอด
• "โอเปร่า" ในภาษาอิตาลีหมายถึงงานหรือการเรียบเรียงตามตัวอักษร
• ศิลปะโอเปร่านั้นถือกำเนิดในยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 14-16)
• การแสดงโอเปร่าครั้งแรกจัดขึ้นที่เมืองฟลอเรนซ์ในปี 1600
• นั่นคือในปี 1637 โรงละครโอเปร่าสาธารณะแห่งแรก San Cassiano ได้เปิดขึ้นซึ่ง Claudio Monteverdi ได้เขียนโอเปร่าเรื่องแรกของเขา
• จนโอเปร่าได้รับความนิยมจนแพร่กระจายไปทั่วยุโรป

โอเปร่าโดยโมสาร์ท

โมสาร์ทยังสนใจโอเปร่าเป็นพิเศษ คำพูดของเขาเป็นที่รู้จักกันดี: "ฉันอิจฉาคนที่เขียนโอเปร่า" เส้นทางสู่ผลงานชิ้นเอกของโมสาร์ทต้องผ่านการฝึกฝนและเอาชนะหลักการศิลปะโอเปร่าที่เป็นที่ยอมรับ เขามีความเข้าใจอย่างดีเยี่ยมเกี่ยวกับวัฒนธรรมการแสดงละครและทำงานอย่างระมัดระวังเกี่ยวกับบทละครโอเปร่าของเขา ดังนั้นแนวเพลงดั้งเดิมในงานของโมสาร์ทจึงมีความโดดเด่นด้วยความแปลกใหม่

นอกจากนี้เขายังกล่าวถึงประเภทต่างๆ ตัวอย่างเช่น ในฤดูใบไม้ผลิปี 1676 เขาได้รับคำสั่งให้สร้างโอเปร่าเพื่อฉลองสิ้นปีการศึกษาที่มหาวิทยาลัยซาลซ์บูร์ก นี่เป็นหนึ่งในการแสดงละครเวทีเรื่องแรกๆ เรื่อง Apollo and Hyacinth ที่สร้างจากเนื้อเรื่องของตำนานกรีกโบราณ

พรสวรรค์ของ Young Mozart แสดงให้เห็นอย่างดีที่สุด แม้ว่าน้ำเสียงของ Bach จะเป็นที่รู้จักก็ตาม การแสดงนี้ดำเนินการโดยนักเรียนและประสบความสำเร็จอย่างมาก เมื่ออายุ 12 ปีในกรุงเวียนนา เขาได้สร้างละครโอเปร่าเรื่อง “The Imaginary Shepherdess” (โอเปร่าการ์ตูนภาษาอิตาลี)

ต่อมามีการสร้างโอเปร่า "Mithridates ราชาแห่งปอนทัส" และ "Idomeneo" - ซีรีส์ (โอเปร่าที่จริงจัง) ในบรรดาโอเปร่าไม่กี่เรื่อง สิ่งที่สำคัญที่สุดคือเพลงร้องของเยอรมัน - ตามตัวอักษร (ละครพร้อมการร้องเพลง) ซึ่งมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวในชีวิตประจำวันและน่าเบื่อเรื่อง "The Abduction from the Seraglio" และแม้จะมีข้อเท็จจริง (ตามตำนาน) ว่าหลังจากการฉายรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่านี้จักรพรรดิโจเซฟที่ 2 กล่าวว่า: "มีโน้ตมากเกินไป" โอเปร่านี้ประสบความสำเร็จอย่างมากและสร้างชื่อเสียงให้กับนักแต่งเพลงนอกกรุงเวียนนา ผู้แต่งได้ให้การตีความแนวเพลงเหล่านี้ใหม่ทั้งหมด

โมสาร์ททำงานเหมือนคนถูกครอบงำ โดยรวมแล้วเขาเขียนโอเปร่า 21 เรื่อง แต่ผลงานโอเปร่าที่โด่งดังที่สุดถูกสร้างขึ้นโดยเขาในช่วงเวียนนาสุดท้าย (พ.ศ. 2324-2334) "การลักพาตัวจาก Seraglio", "การแต่งงานของ Figaro", "Don Giovanni", "นั่นคือ สิ่งที่ทุกคนทำ”, “ความเมตตาของติตัส”, “ขลุ่ยวิเศษ”

เรานำเสนอข้อความที่ตัดตอนมาจากการแสดงโอเปร่ายอดนิยมที่สุดมาสู่ความสนใจของคุณ

โอเปร่าโมสาร์ท "ขลุ่ยวิเศษ"

ในงานโอเปร่าครั้งสุดท้ายของโมสาร์ท The Magic Flute ความฝันของเขาในการสร้างโอเปร่าระดับชาติในภาษาเยอรมันก็เป็นจริง บทเพลงของ The Magic Flute ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับโมสาร์ทโดยเพื่อน นักเขียนบทละคร ผู้กำกับ ศิลปิน และนักเขียนบท เอ็มมานูเอล ชิคาเนเดอร์ โครงเรื่องถูกนำมาจากเทพนิยาย "Lulu" โดย Wieland บทกวีแฟนตาซี "Dzhinnistan" และนิทานที่เลือกสรรเกี่ยวกับนางฟ้าและวิญญาณ

Schikaneder ประมวลผลพล็อตนี้ด้วยจิตวิญญาณของสิ่งมหัศจรรย์แปลกใหม่ซึ่งเป็นที่นิยมในเวลานั้น: อาณาจักรแห่งราตรี, อาณาจักรสุริยจักรวาล, ความลึกลับ, การเริ่มต้นและการเปลี่ยนแปลงลึกลับ ชัยชนะของแสงและเหตุผล ศรัทธาในภราดรภาพของมนุษย์และความดีดึงดูดโมสาร์ทและ กลายเป็นปรัชญาสูงสุดของขลุ่ยวิเศษ

รอบปฐมทัศน์ของ The Magic Flute เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 30 กันยายน พ.ศ. 2334 หลังจากการแสดงรอบปฐมทัศน์ เขาเขียนถึงภรรยาของเขา Constanze ว่า “ฉันเพิ่งกลับมาจากโรงละครโอเปร่า โรงละครก็เต็มไปด้วยผู้คนมากมายเช่นเคย...

เห็นได้ชัดว่าความสำเร็จของโอเปร่าจะเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง...” และอีกสองเดือนต่อมา โมสาร์ทก็เสียชีวิต แต่แม้กระทั่งทุกวันนี้สำหรับเราผู้รักเสียงเพลง โอเปร่านี้ยังเป็นผลงานสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของนักประพันธ์เพลง มาฟัง Aria ของ Queen of the Night จากโอเปร่าเรื่องนี้กัน

และนี่คืออีกส่วนหนึ่งจากโอเปร่านี้ Evgeny Kungurov แสดงเพลง "The Magic Flute" ของ Papageno มันถูกเรียกว่า "ฉันเป็นนักจับนกที่ทุกคนรู้จัก"

โมสาร์ท. โอเปร่า "การแต่งงานของฟิกาโร"

พื้นฐานของโอเปร่านี้คือบทละครของ Beaumarchais เรื่อง A Crazy Day or The Marriage of Figaro แต่กษัตริย์ฝรั่งเศสหลุยส์ที่ 16 ทรงสั่งห้ามการแสดงตลก โมสาร์ทอ่านหนังสือตลกของโบมาร์ชัยส์ และหัวใจของเขาก็เต็มไปด้วยความรู้สึกรุนแรง ท่วงทำนองก็ดังอยู่ในหัวของเขาแล้ว

ผลลัพธ์ของการสร้างโอเปร่าคือการรวมตัวกันอย่างสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงและกวี Lorenzo da Ponte ซึ่งเสนอให้เก็บผลงานในโอเปร่าเป็นความลับใหญ่เพื่อหลอกลวงความระมัดระวังในการเซ็นเซอร์

โมสาร์ททำงานได้อย่างรวดเร็วอย่างไม่น่าเชื่อในโอเปร่าเรื่องนี้ ผู้ชมได้รับการจัดการแสดงโอเปร่าด้วยชัยชนะ: "วิวัต โมสาร์ท!" มีการแสดงเพลงหลายเพลงเป็นเพลงประกอบของ “The Marriage of Figaro” โอเปร่าดึงดูดใจด้วยตัวละครที่มีชีวิตชีวา การแสดงที่รวดเร็ว ความตลกขบขัน จังหวะการเต้นที่มีชีวิตชีวาและความเรียบง่ายของท่วงทำนองที่สื่อถึงความร่าเริงและความจริงใจของความรู้สึกของฟิกาโรและซูซานนาอย่างชัดเจน โมสาร์ทพอใจกับชัยชนะ และโอเปร่าเรื่องนี้ก็กลายเป็นเพลงโปรดของนักแต่งเพลง มาฟังสองส่วนกับคุณ: การทาบทามให้กับโอเปร่าและ Aria ของ Figaro

วีเอ Mozart - การทาบทามให้กับโอเปร่า "The Marriage of Figaro"

โมสาร์ท. อาเรีย ฟิกาโร

โอเปร่าของโมสาร์ท ดอน จิโอวานนี

หลังจากความสำเร็จอย่างมากของโอเปร่า "The Marriage of Figaro" โมสาร์ทได้รับคำสั่งจากโรงละครปรากให้เขียนโอเปร่าเรื่องใหม่ ทางเลือกของนักแต่งเพลงตกอยู่ที่เนื้อเรื่องของ "ดอนฮวน" ซึ่งมีพื้นฐานมาจากตำนานโบราณเกี่ยวกับนักผจญภัยที่กล้าหาญและเป็นคนรักของผู้หญิง ตำนานสเปนยุคกลางนี้มีชื่อเสียงในยุโรป

ดนตรีของโอเปร่าเป็นมากกว่าการแสดงตลก โมสาร์ทสร้างแนวโอเปร่าใหม่ทั้งหมด - ละครเพลงเชิงจิตวิทยาซึ่งมีความวุ่นวายของความหลงใหลและการปะทะกันที่คมชัดระหว่างตัวละครของตัวละคร ฉันขอเชิญคุณฟังสองส่วนจากโอเปร่านี้

D. Hvorostovsky และ E. Garanca คู่หูของ Don Juan และ Zerlina

จอร์จ ออตส์. อาเรียพร้อมแชมเปญจากโอเปร่าเรื่อง Don Giovanni

วีรบุรุษแห่งโอเปร่าของโมสาร์ทเป็นเหมือนผู้คนซึ่งมีข้อดีและข้อเสียต่างกันไป และโมสาร์ทก็สามารถเน้นย้ำถึงความเป็นตัวตนของตัวละครโอเปร่าได้และสิ่งนี้เผยให้เห็นความสำเร็จหลักของผู้แต่งในฐานะนักเขียนบทละครโอเปร่า โอเปร่าเรื่องสุดท้ายของเขาถือเป็นผลงานชิ้นเอกอย่างแท้จริง เนื่องจากผลงานทั้งหมดของเขายังคงเดินขบวนอย่างมีชัยไปทั่วโลกในปัจจุบัน: “Vivat, Mozart!”

ฉันขอบคุณลิเลียสำหรับการเดินทางทางดนตรีผ่านโอเปร่าของโมสาร์ท ฉันจะเพิ่มอีกเล็กน้อยในนามของฉันเอง

แน่นอนว่าหากคุณเคยไปโรงละครโอเปร่า ฟังดนตรีสด คุณอาจรู้สึกตื้นตันใจกับบรรยากาศของโรงละคร และนักดนตรีและนักร้องก็ประทับใจคุณ และตัวผลงานเองก็น่าจดจำอยู่เสมอ

สำหรับผู้ที่ยังไม่ได้ดูโอเปร่าสด มีโอกาสมากมายแล้ว คุณยังสามารถค้นหาข้อมูลได้มากมายบนอินเทอร์เน็ต อ่านบทเพลง เพื่อให้เนื้อหาของโอเปร่าได้ชัดเจนยิ่งขึ้นสำหรับเราทุกคน แนะนำบุตรหลานของคุณให้รู้จักกับงานศิลปะนี้ด้วย ให้เป็นละครสำหรับเด็ก หรือฟังบางส่วนจากโอเปร่าด้วยกัน บอกเด็กๆ ว่าเกิดอะไรขึ้น ทำให้พวกเขาสนใจ ท้ายที่สุดแล้ว แม้แต่เสียงเพลงเล็กๆ น้อยๆ ก็มีประโยชน์มาก

เมื่อฉันทำงานร่วมกับนักร้องหรือนักเรียนของฉันที่สถาบันการละคร เมื่อเรานำชิ้นส่วนจากโอเปร่าของโมสาร์ทมาใส่ในละคร ฉันรู้สึกประหลาดใจเสมอกับคำตอบดังกล่าว แต่ก็มีนักแสดงที่คุ้นเคยกับดนตรีของโมสาร์ทเป็นครั้งแรกเช่นกัน และพวกเขามักจะพูดว่า: "ว้าว ทำไมเราไม่สนใจโมสาร์ทมาก่อน ทำไมเราไม่ฟังเพลงของเขา" ซูซานนา, เลโปเรลโล, เซอร์ลินา. Don Juan, Cherubino, Papageno, Figaro (และอื่น ๆ อีกมากมาย) - มีกี่ภาพที่ปรากฏในงาน

และการทำงานคู่ก็น่าสนใจมาโดยตลอด มันเหมือนกับการแสดงเล็กๆ น้อยๆ คุณเริ่มวิเคราะห์ตัวละคร เรียนรู้ส่วนต่าง ๆ ใส่ใจกับวิธีแสดงออกในดนตรี - และตอนนี้มันฟังดูในรูปแบบใหม่... มีฮีโร่มากมาย ตัวละครมากมาย พวกมันต่างกันและน่าสนใจแค่ไหน กล่าวโดยสรุป การแนะนำดนตรีของ Mozart ทำให้ไม่มีใครสนใจ

ตอนนี้เรามาฟังอีกหนึ่งส่วน นี่คือเพลงคู่ของ Papageno และ Papagena จากโอเปร่าของ V.A. "ขลุ่ยวิเศษ" ของโมสาร์ท

ฉันขอให้ทุกคนอารมณ์ดี ใกล้จะถึงฤดูใบไม้ผลิแล้ว! สุขภาพสำหรับทุกคน ความสุขของชีวิต และการเติมเต็มทางจิตวิญญาณ

ดูสิ่งนี้ด้วย

42 ความคิดเห็น

คำตอบ

ข้อผิดพลาด
24 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 17:16 น

คำตอบ


12 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 8:11 น

คำตอบ

มิทรีกับบูริโด
11 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 9:25 น

คำตอบ

อีวาน
10 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 22:23 น

คำตอบ

อาเธอร์
09 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 22:59 น

คำตอบ

เอเลน่า
09 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 20:58 น

คำตอบ

ลิเดีย (tytvkysno.ru)
09 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 14:34 น

คำตอบ

หวัง
09 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 13:43 น

คำตอบ

เอเลน่าคนสวย
09 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 10:17 น

คำตอบ

มิลามิลา
09 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 5:38 น

คำตอบ

อิรินา ชิโรโควา
09 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 1:12 น

คำตอบ

เยฟเจเนีย
08 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 22:39 น

คำตอบ

อิริน่า ลัคชิตส์
08 กุมภาพันธ์ 2559เวลา 22:17 น